El Cinematógrafo de Barranco (programación)

[MSC^BlueEyes]

Oh Dios MIO!!!!

La llamada de Cthulhu, no sabía que habían hecho una película de esta genial obra de Lovecraft, algún día escribiré así...

OMG!!! Me desmayé.

Un Saludo

Yo debo...ver...película...ya...

[o0o]

Oye, o0o, una pregunta, estas seguro que mañana pasan La llamada de Cthulhu?

Sí. Cuestiones de planificación hicieron cambiar 'El fin de un hombre' como de igual manera 'Year of the horse' el sábado. Así que, diviértanse.
Ah, el fin de semana por doble pueden hacerlo. Kubrick+Kiarostami+Risi.

[o0o]

Programación de la Semana

Jueves 3 - CINE ASIATICO
7:00 pm ¿Dónde está la casa de mi amigo? (Abbas Kiarostami)
8:30 pm Graciosa historia seis nueve/6ixtynin9 (Pen-Ek Ratanaruang/El cine de
Tailandia)

Viernes 4
7:00 pm La llamada de Cthulhu (Andrew Leman)
8:00 pm The Light Bulb (Marianela Vega) Presenta Directora
8:45 pm Picardías de antaño (Michel Reilhac) ADULTOS
10:00 pm Las películas de Richard Kern ADULTOS

Sábado 5
4:00 pm Rostros (John Cassavetes)
6:00 pm Vacaciones Permanentes (Jim Jarmusch)
7:30 pm Dumbland, animaciones de David Lynch
8:00 pm La historia de Pink Floyd y Syd Barret (John Edginton)
9:15 pm Tetsuo, el hombre de hierro (Shinya Tsukamoto)

Domingo 6
4:00 pm Hiroko, el Goblin (Shinya Tsukamoto)
6:00 pm Dead man (Jim Jarmusch)
8:00 pm Il Sorpasso (Dino Risi)

Lunes 7 – CINE PERUANO
7:00 pm Razones para el exxxilio (Juan Manuel Calderón)
8:30 pm El Caudillo Pardo (Aldo Salvini)

Martes 8 – DOCUMENTAL
6:00 pm Cuentos crueles de la guerra (Ibéa Atondi, Karim Miské/El documental
africano)
7:00 pm Descubriendo a Dominga (Patricia Flynn)
8:30 pm Tocando el vacío (Kevin Macdonald)

The Light Bulb

Marianela Vega presenta su nuevo cortometraje “THE LIGHT BULB” este viernes 4 de Agosto en el Cinematógrafo de Barranco.



Como directora, Marianela Vega ha enfocado su trabajo en el género documental, abordando temas como la memoria, identidad, familia y género, desde una perspectiva personal e íntima. Con The light bulb (16mm color. 2006), escrito, producido y dirigido por ella misma, la joven directora peruana incursiona en el género de ficción. The Light bulb cuenta la historia de un anciano obligado a despedirse de su espacio y sus recuerdos, a quien la compañía de su pequeña nieta lo ayudará a seguir adelante.
En la misma función, para quienes no han tenido la oportunidad de verlo, se proyectará Away (DVCAM.2002), el primer cortometraje documental de Marianela Vega, que recibió reconocimientos a nivel nacional e internacional. Ambos trabajos fueron realizados en Austin, Texas; donde la joven directora cursa actualmente una maestría en dirección de cine.

Con el mediometraje documental Ausencia (2002), Marianela Vega inició la producción de una serie de trabajos que reflejan un constante cuestionamiento personal y una sensibilidad particular. Este mediometraje, así como sus cortometrajes documentales Away (2002) y Distancia (2004), han sido exhibidos en festivales de cine y video en países como España, Ecuador, EE.UU. y Perú.
Away recibió una mención honrosa en el Concurso de Cortometrajes CONACINE 2004, mientras que Distancia fue finalista del concurso Pasaporte para un Artista 2004, organizado por la Embajada de Francia en el Perú. Además, los tres trabajos fueron exhibidos en la Semana de Cine Experimental de Madrid 2005. Por otro lado, su más reciente cortometraje documental Conversation (2005), estará presente en una exposición colectiva a inaugurarse este 3 de Agosto en Texas, EE.UU.

En su último día en casa, un hombre encuentra la oportunidad de probar algo importante a su nieta y a sí mismo, antes de partir y dejar atrás sus recuerdos.

Viernes 4
8:00 pm The Light Bulb

Más información en la web y en el blog.

[o0o]

Programación de la Semana

Martes 15 – DOCUMENTAL
6:00 pm Polvo de la ciudad (Moussa Touré/El documental africano)
7:00 pm La historia de Pink Floyd y Syd Barret (John Edginton)
8:30 pm Las Tabas

Jueves 17 - CINE ASIATICO
7:00 pm A través de los olivos (Abbas Kiarostami)
8:30 pm La última vida en el universo (Pen-Ek Ratanaruang/El cine de
Tailandia)

Viernes 18
7:00 pm La llamada de Cthulhu (Andrew Leman)
8:00 pm Un día, una chica (Gonzalo Ladines) Presenta director
8:45 pm Una serpiente de Junio (Shinya Tsukamoto)

Sábado 19
4:00 pm Testigo de cargo (Billy Wilder)
6:00 pm Gemini (Shinya Tsukamoto)
8:30 pm El gabinete del Dr. Caligari (Robert Wiene) Musicalización en vivo
KINDER

Domingo 20
4:00 pm Sunset Boulevard (Billy Wilder)
6:00 pm F de Fraude (Orson Welles)
8:00 pm Fitzcarraldo (Werner Herzog)

Lunes 21 – CINE PERUANO
7:00 pm Razones para el exxxilio (Juan Manuel Calderón)
8:30 pm El Caudillo Pardo (Aldo Salvini)

Martes 22 – DOCUMENTAL
6:00 pm Si-Gueriki, la reina madre (Idrissou Mora-Kpaï/El documental africano)
7:00 pm El Dios escondido: entre el mito y la historia (José Antonio Portugal) Presenta Director
8:30 pm Mondo Cane: Este perro mundo (Paolo Cavara)

"El Gabinete del Dr. Caligari": Cine mudo musicalizado en vivo los sábados de Agosto



Un extraño personaje llamado Dr. Caligari presenta en la feria de un pueblo un espectáculo nunca antes visto: El Sonámbulo Cesare, quien duerme desde hace 23 años y tiene la facultad de predecir el futuro. A partir de su presencia en el pueblo comienzan a ocurrir también algunos extraños crímenes. El Gabinete del Dr. Caligari de Robert Wiene supone la inauguración del expresionismo alemán, movimiento al que pertenecieron también 'El Golem' (1920), 'Nosferatu' (1922) y por supuesto 'Metrópolis' (1927) de Fritz Lang.
La utilización de contrastes de luz y sombra, y sobre todo, el tratamiento de historias donde el lado oscuro del ser humano (lo sobrenatural, la locura, lo monstruoso, lo inexplicable), fueron las características primordiales de esta serie de películas.
Es difícil analizar desde este siglo XXI una película como El Gabinete del Dr. Caligari. Si pensamos que en aquella época no habían computadoras ni efectos especiales ni grandes presupuestos, que el cine estaba en pañales tecnológicamente hablando, el conjunto de aquellas películas y sus resultados no es menos que admirable.

En el Dr. Caligari, los escenarios son de una geometría y perspectivas imposibles, con una clara influencia quizás del movimiento dadaísta que simultáneamente estaba en auge. Como en toda película muda, los actores están maquillados hasta la exageración y sus gesticulaciones nos podrán parecer excesivas hasta la comicidad. La película del "monstruo" sonámbulo podría suponer un final predecible pero nos ofrece un giro desconcertante que pone en duda todo lo visto y obliga a repasar la historia.
La posibilidad de invertir todos los papeles de los personajes en sus roles de "bueno" y "malo" fue una innovación argumental para la época, innovación que no muchos comprendieron.
Visualmente, la película tiene momentos preciosos, sobre todo por la escenografía que obra como el distorsionado escenario de alguna de nuestras pesadillas. La representación del pueblo con todas las casitas encaramadas una encima de otra, pero en particular, el secuestro de Jane por Cesare cuando se la lleva huyendo por algo que ni sé definir qué es, pero que simula algo así como un tejado y el cruce de ellos por un puente; ganando belleza plástica por la sabia combinación de la coloración, las figuras humanas y la geometría angulosa de fondo.

KINDER, el sábado pasado al terminar la proyección


Esta cinta será musicalizada en vivo por la banda KINDER, grupo formado por secuencias, sintetizadores y guitarras eléctricas, durante los Sábados 12, 19 y 26 de Agosto en El Cinematógrafo de Barranco. El concepto detrás de KINDER es el de total libertad compositiva a partir de un constante juego con los instrumentos. Es pop ruidoso por las distorsiones y modulaciones en teclados y guitarras, así como sonidos infantiles en los sintetizadores y samples. Han compartido escenario con múltiples bandas locales como Tonka, Gaia, Metamorphosis, Diazepunk, etc, y los grupos que escuchan son The Postal Service, The Flaming Lips, Beck, Radiohead, Sonic Youth, Weezer, Boom Boom Kid, Death Cab For Cutie, Explosions in the sky, Hella, entre otros.
Durante los pasados meses, KINDER ha elaborado una banda sonora que recreará, al propio estilo de la agrupación, los extraños interiores de una ya extraña cinta como lo es El Gabinete del Dr. Caligari.

Sábados 12, 19 y 26 de Agosto - 8:30 pm / S/. 15


Más información en la web y en el blog.

[o0o]

Programación de la Semana

Jueves 14 - CINE ASIATICO
7:00 pm Una serpiente de Junio (Shinya Tsukamoto)
8:40 pm Simpatía por el Sr. Venganza (Park Chan-wook/El Cine de Corea)

Viernes 15
7:00 pm La llamada de Cthulhu (Andrew Leman)
8:30 pm Saló o los 120 días de sodoma (Pier Paolo Pasolini) ADULTOS

Sábado 16
4:00 pm Vivamente Domingo (Francois Truffaut)
6:00 pm Bolivia (Adrián Caetano/El nuevo cine argentino)
8:30 pm El gabinete del Dr. Caligari (Robert Wiene) Musicalización en vivo
KINDER

Domingo 17
4:00 pm Sin aliento (Jean-Luc Godard)
6:00 pm Bananas (Woody Allen)
8:00 pm Familia Rodante (Pablo Trapero/El nuevo cine argentino)

Lunes 18 – CINE PERUANO
7:00 pm Q'eshwachaka, el puente dorado (Jorge Carmona)
8:30 pm Y si te ví no me acuerdo (Miguel Barreda)

Martes 19 – DOCUMENTAL
7:00 pm Documentales de Nelsón García
8:30 pm Fidel Castro, el documental

Saló o los 120 días de Sodoma

¿La película más perturbadora de la historia? Fué retirada de los cines por 25 años, ¿seguimos pensando igual?



"Hay un proverbio (y los proverbios son algo muy bueno), hay uno, digo, que pretende que el apetito se abre comiendo. Este proverbio, por grosero que sea, tiene, sin embargo, un sentido muy amplio: quiere decir que a fuerza de cometer horrores se desean otros nuevos, y que cuantos más se cometen más se desean. Esa era la historia de nuestros insaciables libertinos." - Marques de Sade, Las 120 jornadas de Sodoma o la escuela del libertinaje

Es complejo de explicar la sensación que experimenté al descubrir Saló o los 120 días de Sodoma de Pier Paolo Pasolini en el cine Méliès de Barcelona. Por aquel entonces, que no sólo no sabía quien era Pasolini, sino que apenas sabía nada de ningún director y era capaz de vivir en la más feliz ignorancia (demasiadas imágenes desde entonces han sangrado mi retina), entraba en el cine con el afán de redescubrir a los clásicos del cine sin mayor afán que aumentar mi álbum de cromos de películas, directores, movimientos cinematográficos, nacionalidades y demás asuntos que sólo interesarán a los cinéfagos en esqueleto y músculo, como el que esto escribe (con más esqueleto que músculo). Las imágenes de Pasolini me abrasaron, indefenso ante el catálogo de horrores mostrados en la pantalla, me sentí en completa inferioridad ante lo expuesto, no estaba preparado, a su manera, Pasolini, ejercía de libertino contra mi figura, una especie de sodomización a mi mente (más o menos burguesa) donde el límite entre el horror y la fascinación había, simplemente, dejado de existir. Salí del cine completamente aturdido, perdido, confundido, mareado. Varias semanas después Hilario J.Rodríguez me explicó que él había sentido algo muy parecido al ver por primera vez el film de Pasolini, compartimos por un momento nuestro horror ante lo narrado, nuestra fascinación ante lo expuesto de manera explícita.
Ha pasado ya bastante tiempo de todo aquello. Hoy en día, revisitado el film varias veces, poco a poco, a base de inundar mis ojos con saturación de imágenes explícitas, no tanto por el cine y sí por la televisión, verdadero castillo sadiano de excesos diarreicos y harén de opio para yonkis con rulos y crema de pepino, éste sigue manteniendo intacta su dureza representativa, su arrollador discurso moral, su absoluta negación de la felicidad en vida y sí su retrato del ser humano como hombre entregado a las alegrías que crea la vejación más absoluta del resto del género humano. Incluso después de leer a Sade, la experimentación vuelve a ser recurrente.



Sade escribió Las 120 jornadas de Sodoma en una celda de La Bastilla cuatro años antes de la Revolución Francesa en un solo folio de proporciones inabarcables para así poder sacarlo de la prisión para su publicación. La lectura de la novela es de una agresividad similar al efecto de la contemplación del film de Pasolini. Las 120 jornadas de Sodoma es ya desde la primera de sus páginas un libro inadaptable al cine: Su catálogo de vejaciones físicas y morales que contemplan «un hórrido festín de aberraciones sexuales: del incesto a la necrofilia, pasando por la coprofagía, la urolagnia, el bestialismo, la paidofilia o la gerontofilia, sin olvidar un notable surtido de torturas, como la castración, la infibulación, la extracción de ojos, la amputación y/o quema de pechos, nalgas, manos.» expuestas en una pantalla se convertiría en pornografía escatológica bizarra sólo apta para degenerados amantes de las snuff movies.
Pasolini lo entendió a la perfección y, seguramente, ni existió, ni existe, ni existirá realizador más adecuado para poner en escena el cuento de Sade. Y es que milagrosamente Saló o los 120 días de Sodoma no resulta la obra maestra que es por acumulación, como podría pensarse (o como le ocurre por momentos al cuento de Sade), sino por capacidad de síntesis, por como mostrando la esencia de la perversión hace innecesaria la pornografía explícita.



Pasolini hizo esta cinta para disturbar a la gente, en orden que las hacía encarar algo que el sentía que nadie quería confrontar pero que sin embargo era real e inobjetable; la relación mediante el sexo, la muerte y el poder. En este aspecto, los tiempos no han cambiado. La nuestra es una cultura con alta conciencia de la sexualidad que, no obstante, muestra siempre que puede pánico o miedo a los lados más oscuros y peligrosos de nuestra sexualidad. Efectivamente mientras lo más liberal se convierta una cultura, más grande será el pánico en la cara de lo que se está planeado mentir por temor. Saló enfrenta ese otro lugar y esa es la razón del porqué merece ser vista.
Pasolini mueve a los libertinos de tiempo y espacio. Pasan de ser nobles franceses absolutistas a los últimos nazis que quedan en Italia en 1944, pero conservan sus nobles cargos -un duque, un presidente, un monseñor y una excelencia- por lo que el discurso sobre la depravación del poder está intacto. De hecho, tanto en Sade como en Pasolini, todos los protagonistas de las narraciones de las alcahuetas son nobles, ricos, curas o altos funcionarios del estado. Su descripción física y moral es inenarrable y la de sus víctimas rozan lo angelical, con lo que la mezquindad de los hechos siempre es superlativa. Pasolini era Pasolini, por eso entre otras cosas, fue brutalmente asesinado, y si bien adapta el discurso sadiano sobre la necesidad de negar la virtud para alcanzar el placer, este coge un cariz mayormente político: la imagen icónica del film es claramente reveladora, el joven Enzio levantando el puño justo antes de ser acribillado por los libertinos fascistas.
Hacer el mal, dice Sade en boca de sus protagonistas, no sólo es más sencillo que hacer el bien, sino que siempre se alcanzan mayores placeres con él. Sade negaba la vida. Pasolini, que venía de realizar su "Trilogía de la vida" --- El decamerón (Il Decameron, 1971), Los cuentos de Canterbury (I racconti di Canterbury, 1972) y Las mil y una noches (Il fiore delle mille e una notte, 1974) ---, renegaría de ella poco después ante los continuos ataques que sufría su figura tanto de enemigos políticos como de sus supuestos acólitos. "Aunque quisiera continuar haciendo films como los de la Trilogía de la Vida, no podría porque ahora odio los cuerpos y los órganos sexuales (.) la degeneración de los cuerpos y de los sexos ha asumido un valor retroactivo (.) la vida es un montón de insignificancias e irónicas ruinas."

Saló o los 120 días de Sodoma es un film límite. Pasolini, realizador proclive a desdeñar la técnica cinematográfica en aras de un mayor acercamiento a lo poético, emplea en su última película una mirada geométrica sobre el espacio del infierno. Su posicionamiento es frío, en planos de secuencia durísimos, por lo general lejanos, haciendo que las figuras permanezcan inmóviles a excepción del foco de atención de la narración. Pasolini no tiene compasión, no deja respiro al espectador, no hay nada a lo que se pueda amarrar este ante tanto horror. Para culminar la enajenación del espectador, el realizador de Teorema (ídem, 1968), utiliza el fondo sonoro de la cinta para enturbiar aún más la imagen cuando una vejación se está llevando a cabo —cf.: La escena en que se obliga a una joven a comer las heces del Duque, que excitado por las lágrimas de ésta, ha defecado en el salón—, pero dicho efecto, lejos de ser un aporte fantástico, adquiere realismo cuando se entiende que es el ruido que provocan los aviones del ejército aliado.



Pasolini potencia el realismo para hacer más descarnado el terror de lo expuesto. Pero es mentira que no exista ninguna fuga en el film. De una manera absolutamente brillante, Pasolini, inocula en tres momentos del film actos totalmente absurdos que llevarían al espectador a plantearse lo veraz de lo narrado, sino se encontrara este totalmente subyugado a la fuerza de las imágenes. Estos son dichos momentos: (a) La señora Castelli increpada por su excelencia ante lo poco concreto de sus descripciones, ejercita un baile hasta acercarse al lado de su apelador. (b) La pianista, figura totalmente marciana en el contexto del film, rompe a gritar tras una estrambótica representación junto a la señora Castelli. (c) El duque, el presidente y el monseñor bailan can-can en mitad de las ejecuciones del último tercio de película.
El cadáver de Pier Paolo Pasolini apareció brutalmente apaleado el dos de noviembre de 1975 en un barrio de la periferia de Roma, muy cerca de Ostia. Saló de Pasolini es disturbador pero no necesariamente un particular filme de shock, y en varias maneras decididamente antierótico. En términos de su autor demuestra una cierta continuidad con el resto de su trabajo en aquellos temas que son traidos al exterior y latentes permanecen en algunos de sus otros films, pero también deja un agudo provisional movimiento entre las fuerzas de la muerte y aquellas de amor y vida que celebradas por todas partes antes estaban en su trabajo. Desafortunadamente el autor no vivió para hacer más películas, ya que si lo hubiera hecho en el presente podríamos ver en todo contexto a esta su obra, como un estado en una trayectoria de explorar las fuerzas instintivas consideradas por el autor como gobernantes de la vida humana variadamente expresadas, pervertidas y represoras en diferentes circunstancias históricas y sociales.
Puedo entender que para gente que encuentra Saló es chocante ya que no tiene idea del trabajo previo de Pier Paolo Pasolini, o también por gente sin conocimiento en filmes 'X' como aquellos que experimentan riendose sin parar. De todas formas, Saló, no es un filme erótico en tradición. Su tema no es el del placer erótico, más si el de la perversión y el de la subordinación de las relaciones de amor con las del poder.

Lo que hace al filme chocante y 'molesto' es la forma en la que se enfoca en las incertidumbres de la audiencia como en las fronteras de lo separado entre normal y perversión, placer y asco. La película situa su materia firmemente en la relación con el poder político del fascismo, no para clamar una historica conexión entre el fascismo y las orgías sexuales, sino para para proponer una analogía entre dos formas de "poder anarquista", político y sexual.
Notandose que Pasolini previamente en sus films anteriores criticara al conformismo sexual, aquí el considera y rechaza el colapso de las reglas sexuales en un contexto donde el colapso de las restricciones normales no es parte de una social y sexual revolución más, solo una imposición de una minoría corrupta, unas víctimas indispuestas, de su propia impotencia y perversión.
El escándalo que se originó de todo ello ha hecho que la obra maestra que es Saló o los 120 días de Sodoma permanezca hasta hace bien poco como un film maldito, casi invisible. Es impresionante comprobar como veinticinco años después el film sigue resultando tan brutal como el primer día, a la vez que su discurso tras las aberraciones sigue siendo totalmente necesario.



Viernes 15
8:30 pm Saló o los 120 días de sodoma (Pier Paolo Pasolini) ADULTOS

Más información en la web y en el blog.

[o0o]

Programación de la Semana

Jueves 21 - CINE ASIATICO
7:00 pm Tetsuo, el cuerpo de martillo (Shinya Tsukamoto)
8:30 pm Hierro-3 (Kim Ki-Duk/El Cine de Corea)

Viernes 22
7:00 pm La llamada de Cthulhu (Andrew Leman)
8:30 pm Sábado, una película en tiempo real (Matías Bize) ESTRENO
9:30 pm Saló o los 120 días de sodoma (Pier Paolo Pasolini) ADULTOS

Sábado 23
4:00 pm Despertando a la vida/Waking Life (Richard Linklater)
6:00 pm Géminis (Albertina Carri/El nuevo cine argentino)
8:30 pm El gabinete del Dr. Caligari (Robert Wiene) Musicalización en vivo KINDER/ULTIMA FUNCIÓN

Domingo 24
4 pm El viento nos llevará (Abbas Kiarostami)
6 pm Mundo grúa (Pablo Trapero/El nuevo cine argentino)
8 pm El beso del asesino (Stanley Kubrick)

Lunes 25 – CINE PERUANO
7:00 pm Q'eshwachaka, el puente dorado (Jorge Carmona)
8:30 pm Invierno en Bagdad (Javier Corcuera)

Martes 26 – DOCUMENTAL
7:00 pm Sick, la vida y muerte de Bob Flanagan, Supermasoquista (Kirby Dick)
8:30 pm El mundo según Bush (William Karel)

Sábado

Una hora en la vida de Blanca, una joven que a pocos minutos de casarse se entera que su novio tiene una amante. En traje de novia la ofendida recorre la ciudad en busca de venganza. Durante todo el recorrido, un camarógrafo registrará los hechos, sin cortar la cámara desde el inicio hasta el final de la película.
Una película en tiempo real.



Con una cámara de video prestada, actores conocidos amigos suyos (como Blanca Lewin, con la que había realizado previamente cortos), locaciones prestadas de familiares/amigos, y un presupuesto cero para costear equipo técnico y actoral (ellos recibirían un porcentaje de las ventas de la cinta), Matías Bize pudo grabar la primera película en tiempo real hecha en Sudamérica. Y la apuesta resultó. Su ópera prima tuvo muy buena crítica en Chile y el extranjero. Ganó varios festivales y se estrenó en distintos países de Europa.

Matías Bize ha realizado video clips, documentales y cortometrajes de ficción. En cine de 16 mm ha escrito y dirigido los cortometrajes “Carla y Max”, en 1999 y “La gente está esperando”, en 2000. También co-dirigió su largometraje de titulación, “Juego de verano” (2002), de cuyo guión original fue autor. En 2003 dirigió “Sábado, una película en tiempo real”, formato muy escaso en la cinematografía mundial de todos las épocas. Además de diversas creaciones audiovisuales, en 2005, triunfó con “En la cama” (también protagonizada por Blanca Lewin), considerada por el público y la crítica como una de las películas mayores del cine chileno.



Viernes 22
8:30 pm Sábado, una película en tiempo real (Matías Bize) ESTRENO

Más información en la web y en el blog.

[o0o]

El Cinematógrafo presenta en este jueves 12 de Cine Asiático

El Club del Suicidio



"Si te place, vive; si no te place, estás autorizado para volverte al lugar de donde viniste".....Séneca

http://www.youtube.com/watch?v=YEiTwlDOaVo

Si uno pudiese catalogar esta pelicula en su colección ordenandola por algún genero que la caracterice, tendría mas que serios problemas, Jisatsu saakuru (Suicide Club o Suicide Circle en occidente), es de esas cintas que transcurren entre la comedia, el terror, el thriller, el gore, la critica social e incluso el drama. Tantas aristas de genero y significados hacen que la pelicula no llegue a ser monumental pero muere muy de pie en el intento.
La premisa inicial marca por si sola toda el efectismo de la pelicula: El metro de Tokyo, 54 estudiantes tomadas de la mano detras de la linea amarilla, sonrientes y despreocupadas deciden lanzarse antes que el tren llegue al paradero, una orgía de sangre baña toda la escena, cuerpos mutilados, un enigmatico maletin blanco es dejado en el medio del charco rojo, pero no se lo crean demasiado, la musica que decora el horrendo cuadro es tan infantil e idiotizante que afecta la percepción de la escena gore. La pregunta es: ¿Porque?

Sono Sion, transgresor por naturaleza ya que cuenta con un pasado de pornografo de peliculas Gay en un japón de raices hipocritas, nos presenta luego de esta sanguinario comienzo, una sucesión bien elaborada de posibles razones por las cuales luego de este suicidio masivo vienen en cadena otros mas, iniciandose una racha mortal de auto asesinatos, quizás porque el suicidio esta de moda, mensajes subliminales en las canciones de un grupo de Jpop infantil, los seguidores fanaticos de otro grupo de Jpop mas oscuro y radical comandado por Genesis quien se autodenomina el Manson de la información o quizas algun club escondido o secta religiosa que acoja suicidas potenciales, pistas que son recogidas como si de un thriller policiaco se tratara por un equipo de policías que investiga estos hechos, comandado por Kuroda (Ryo Ishibashi), Shibu (Masatoshi Nagase) y Murata (Akaji Maro) quienes no pueden encontrar una explicación logica de tan irracionales comportamientos.
Todo lo anteriormente descrito transcurre en una primera parte genial y enigmatica, sin embargo, las ilusiones de desenmascarar al verdadero o a los verdaderos incitadores de los suicidios en masa ceden, quizas en contra de lograr un final mas efectista y efectivo, frente a lo onirico, filosofico y quizas hasta absurdo de un desenlace que no es acorde con el ritmo de toda la pelicula.
Si es verdad, el final o quizas su media hora última desmerece un poco la pelicula, no se debe negar porque sino deja uno de ser objetivo. Pero me quedo una duda rondando la cabeza, ¿tiene que cerrar un filme de manera convencional para que uno se quede satisfecho?, no es ser un poco condescendiente con lo que "uno quisiera" ver y evitar ver "lo que el director quiso reflejar" por tratar de afrontar el ejercicio de encontrarle sentido a lo que aparentemente no tiene.



En este ejercicio, aunque no quede totalmente satisfecho del analisís, se puede desprender que Sono Sion con su visión transgresora, deja servido para los ojos y la mente, connotaciones filosoficas a las imagenes de su aparente inofensiva cinta, como la soledad, la despersonalización de los jovenes por las modas, el internet, la fascinación estupida de los japoneses por el J-pop, una critica furibunda a los medios de comunicación, etc, todo muy japones en su concepción e ideas pero totalmente contundente como para captarse con un pequeño esfuerzo. Es decir, como lo hizo en su momento Battle royale de Fukazaku, esta cinta golpea directamente los cimientos de una juventud japonesa aislada del mundo exterior por el uso casi compulsivo de la tecnólogia y las formas impersonales de comunicación.

En sintesis, una de esas peliculas que a pesar que no cierran con brillantez te dejan una interrogante o imagenes rondando por meses en tu cabeza, de esas peliculas que a pesar que aun no sabes y quizas nunca sabras cual es el significado real de la misma la recomiendas fogosamente para que la vean tus amigos porque quieres compartir esa experiencia 8) .

Jueves 12
8:40 pm El Club del Suicidio

[DitE.jM]

OMFG! he estado buscando este dvd hace ya un tiempo pero es dificil de conseguir. Muyyy recomendable para los que gustan de este genero.
pd: Suicide Club tambien se conoce como Suicide Circle y The Wretched
Nos vemos este jueves en el cinematografo :D

[o0o]

Programación de la Semana

Jueves 12 - CINE ASIATICO
6:45 pm Chungking Express (Wong Kar-Wai)
8:40 pm El club del suicidio (Sion Sono/El cine de Japón)

Viernes 13
7:00 pm Begotten (E. Elias Merhige)
8:30 pm 25 Watts (Juan Pablo Rebella, Pablo Stoll)

Sábado 14
4:00 pm La cicatriz (Krzysztof Kieslowski)
6:00 pm El aficionado (Krzysztof Kieslowski)
8:00 pm Condenados al corredor (Javier Corcuera)
8:45 pm El odio (Mathieu Kassovitz)

Domingo 15
4:00 pm Sin fin (Krzysztof Kieslowski)
6:00 pm Las Tabas (Roberto de la Puente)
7:00 pm La guerrilla de la memoria (Javier Corcuera)
8:30 pm El Evangelio según San Mateo (Pier Paolo Pasolini)

Lunes 16 – CINE PERUANO
7:00 pm Alias "La Gringa" (Alberto Durant)
8:30 pm Invierno en Bagdad (Javier Corcuera)

Martes 17 – DOCUMENTAL
8:00 pm Hijas de Belén (Javier Corcuera)
8:30 pm ¿Por qué hacemos guerras? (Eugene Jarecki)

Krzysztof Kieslowski en El Cinematógrafo

Este fin de semana El Cinematógrafo inicia una pequeña muestra dedicada al cineasta polaco Krzysztof Kieslowski. Los filmes que podremos apreciar serán La cicatriz, El aficionado y Sin fin. Aprovechando esta ocasión hemos decidido presentarles un ensayo escrito por la amiga Ana Karina Junes, que hemos extraído de Cinencuentro.



Krzysztof Kieslowski nació en una de las naciones más golpeadas en la historia europea, cuna de figuras notorias, Polonia vería nacer al inquieto Kieslowski en los últimos años de la Segunda Guerra Mundial, el 27 de junio de 1941, en la ciudad de Varsovia.
Perteneciente a una familia pobre, de una sociedad marcada por la guerra, el joven realizador encontraría su camino en las escuelas de cine y teatro de Lodz, prestigiosa casa de estudios que albergó al también realizador, Roman Polanski.

Piotr Jaxa-Kwiatkowski, compañero de clases, cuenta de su amigo recuerdos gratamente guardados, una perspectiva única del quien es, tal vez, considerado, un mito en el cine de autor. Kieslowski a su temprana edad mostraba una madurez excepcional, quizás las marcas que su vida llevaba era lo que hicieron de él lo que conocimos a través de sus películas. Su padre, un ingeniero, falleció de tuberculosis frente a las privaciones médicas de la guerra y su madre, una oficinista, encontró su final en un trágico accidente de tránsito. Frente a todo eso, podría ser que entendamos aunque sea un mínimo de las emociones del artista. Debemos recordar sobretodo el tiempo en el que se crece, Polonia ya pertenecía a la Unión Soviética y fue mediante su educación en Lodz, que Kieslowski no sólo se abrió camino en el arte cinematográfico, sino en el arte en general. La escuela de Lodz era la salida perfecta para aquellos jóvenes ávidos de querer descubrir más allá de una cortina de hierro y entrar en contacto con el cine internacional y la literatura global.



Entonces estamos frente a la formación de un autor, del cineasta que busca separarse de los demás, del que se queja que en el cine todos se educan para hacer películas y no para ser diferentes. El mundo cambiaba y los sellos personales pasaron a ser reemplazados por marcas de fábricas, películas empaquetas y realizadores escogidos.
Entre trabajos en el teatro y los estudios, consiguió un diploma en pintura escenográfica y posteriormente se gradúa con un documental titulado 'Ciudad de Lodz' (1968). Localmente empieza a trabajar en más proyectos, su primer motor como director fueron los documentales, como el de 'La fábrica' (1971), que fue postergado en exhibición debido a las ideas contrarias al proletariado. Luego vendrían cortometrajes como 'Primer amor' (1974), ganador del Dragón de Oro en el Festival Internacional de Cracovia, el telefilme 'El personal' (1976), primer premio del festival alemán de Mannheim. Los años transcurrían a medida que sus trabajos iban siendo realizados, eso no lo desligó del teatro, en el cual también tuvo participación activa en varios montajes.

No sería hasta su filme, La cicatriz (1976), que vería su imagen catapultada como una gran figura del cine polaco, entonces vendrían sus trabajos en televisión, telefilmes y por supuesto, su compromiso con los axiomas morales y su realización de El Decálogo. Ya en 1988 vendría el reconocimiento internacional con el Festival de Cannes y su galardón con el premio especial del jurado a su película No matarás, parte del conjunto de obras que encierran El Decálogo.
Debido a lo difícil de la situación económica en su lado de la cortina de hierro, la mayor parte de sus películas se verían forjadas en Europa Occidental, sobretodo en Francia, donde nacerían 'La doble vida de Verónica' (1991) y la trilogía que llevó a Kieslowski al mito, 'Azul, Blanco y Rojo'.



Kieslowski falleció a unos escasos 54 años, había anunciado su retiro de la dirección, pero no así del cine. Continuó trabajando en una nueva trilogía en base a la obra de Dante Alighieri y del cual, el único guión titulado Heaven, fue llevado en el 2002 a la pantalla por el alemán Tom Tykwer, el mismo de Lola Rennt (1998)
Tal vez el mito no nace con su obra, si no con su persona, Kieslowski siempre supo mantenerse humano ante todo y ese mito parte de la admiración. No es un dios de la creación, no es el dios de su decálogo, tan sólo fue un hombre que supo comunicar con el lenguaje más básico y universal, el de las imágenes. Supo decir aquello que nosotros guardamos al cerrar la puerta y mirarnos en el espejo.

Sábado 14
4:00 pm La cicatriz
6:00 pm El aficionado

Domingo 15
4:00 pm Sin fin

Más información en el blog y en la web.

[Asuknamun]

Hola o0o sabes si Saló o los 120 días de Sodoma la siguen proyectando¡¡¡ tu Intro me llamó mucha la atención y despertó el morbo en mi. Estoy revisando la pagina del cinematografo y proximamente no figura, pero como vi por ahi que sabias acerca de un cambio de programacion pense que talvez tu sabías si la iban a pasar denuevo, o si no si me puedes decir en donde venden el DVD¡¡
Gracias

[DitE.jM]

Hola o0o sabes si Saló o los 120 días de Sodoma la siguen proyectando¡¡¡ tu Intro me llamó mucha la atención y despertó el morbo en mi. Estoy revisando la pagina del cinematografo y proximamente no figura, pero como vi por ahi que sabias acerca de un cambio de programacion pense que talvez tu sabías si la iban a pasar denuevo, o si no si me puedes decir en donde venden el DVD¡¡
Gracias

No, deberiamos mandar cartas para una repeticion por que,realmente, estuvo increible!
Pero van a pasar las otras peliculas de Pasolini
http://www.elcinematografo.com/
Edited: Ya consegui el dvd :D

[o0o]

Programación de la Semana

Jueves 9 - CINE ASIATICO
6:45 pm Tú eres mi rayo de sol (Park Jin-pyo)
8:40 pm Corriendo salvajemente (Sung-su Kim)

Viernes 10
6:30 pm Nosferatu, vampiro de la noche (Werner Herzog)
8:30 pm Chelsea Girls (Andy Warhol)

Sábado 11
4:00 pm Mala gente (Kim Ki-Duk)
6:00 pm Domicilio desconocido (Kim Ki-Duk)
8:00 pm La edad de oro (Luis Buñuel)
9:30 pm The Rocky Horror Picture Show (Jim Sharman)

Domingo 12
4:00 pm El Decamerón (Pier Paolo Pasolini)
6:00 pm Chica Samaritana (Kim Ki-Duk)
8:00 pm Nos habíamos amado tanto (Ettore Scola)

Lunes 13 – CINE PERUANO
7:00 pm La espalda del mundo (Javier Corcuera
8:30 pm 25 Watts (Juan Pablo Rebella, Pablo Stoll)

Martes 14 – DOCUMENTAL
7:00 pm ¿Por qué hacemos guerras? (Eugene Jarecki)
8:40 pm Noche y niebla (Alain Resnais)

Chelsea Girls

No importa si consideras "Chelsea Girls" de Andy Warhol (1966) ficción o documento, es un evento, una ruptura en la historia del cine y un ataque a la moralidad implicita en la imagen. "Chelsea Girls" es un monstruo nacido de un don nadie que pone el extremismo técnico de Godard al servicio de la metafísica moral de Sade. Se enciende el ecran como un infierno y con el un universo que solo se obedece a sí mismo este viernes 10 en el cinematógrafo.



Una conveniente y tradicional forma de definir al cine es que 'nos lleva fuera del mundo donde vivimos a uno diferente, el del filme'. "Chelsea Girls" es en ese contexto muy simple a primera vista y a la vez muy muy complejo. Es en si, un perfecto y autosuficiente homogéneo mundo. De todos modos, radicalmente no es como otros filmes, porque empieza desde una posición donde el principio funcional es CÁMARA = DIOS. Mientras que para Spinoza todas las proposiciones éticas son desarrollo de la posición, DIOS = SUSTANCIA. Para Warhol todas las imagenes fluyen del axioma CÁMARA = DIOS.
¿Pero qué significa eso? La cámara no es más un pedazo de equipo técnico; es la norma. En el universo formal del cine significa que 'la cámara no es determinada por nada, sólo por si misma'. La cámara es el equivalente a la sustancia en el sistema de Spinoza, desde que es lo permanente en el filme. La gente y objetos en el filme no son más que atributos o modos de sustancia, pasando por deformaciones, undulaciones en un camino imperturbable. Esta es la visión cinematografica esencial en "Chelsea Girls".

Prueba de ello es la casi completa ausencia de edición en la película. Una toma dura 20 minutos, contenido para arreglar y construir un discurso cinematografico puramente con el ritmo de la película. Esto solo es materia suficiente para la reflexión de pasados y futuros directores de cine.
Mientras Hitchcock hace uso de los tesoros de su imaginación y de habilidad técnica para construir una toma, Warhol elimina todas estas sofisticaciones técnicas. Su primitiva tecnica consiste en simplemente posicionar la camara en algún lugar vagamente central, abriendo en vez de ajustar el diagrama, enfocando, aproximándose, y dejando al filme correr.
Nadie que ha leído a Spinoza encontrara esto extraordinario, por su idea de que 'la libertad es la necesidad entendida bien'. Warhol aplica esta idea a la necesidad interior de la imagen. La técnica se convierte estética por las tomas seguidas, que duran lo largo de la cinta, acepta la propia lógica de la camara. En orden para seguir respetando esta lógica, la imagen no debe ser una costrucción a priori por el director. Así, a la cámara debe darsele el trabajo de actualizar la imágen en la misma manera en que el piano actualiza la idea del pianista.



El director no puede interferir con la estructura esencial de la imagen ya que si lo hace se arriesga a alterar la pureza del lenguaje cinematografico introduciendo otro lenguaje. Este es sin embargo el aspecto más monstruoso de la película. Warhol no usa la camara como un instrumento. Él es por el contrario, su sirviente, contento por obtener sus objetos de devoración. No puede ni darse el hecho de que sea acusado por realismo, desde que su obra no pretende presentar objetos o aspectos significantes de una realidad particular.
Es esta característica la que hace a Chelsea Girls una película si y no experimental, hasta donde uno puede creer, ya que es un sensacional documental.
Warhol trata de liberarse de un modo de representación del cual el cinema debe ser considerado para ser propio, así como cualquier otra forma de representación. La película así se revela como una gran negación al realismo, o al realismo documental. Ofrece una sucesión de estructuras autónomas, lo que le ofrece al ojo de la camara solo es de secundaria importancia (espero que tras Chelsea Girls nadie nunca mas me pregunte ¿de qué trata la película?) Una película siempre es acerca de sí misma; hace uso si de otras cosas como personajes, objetos, etc.

Andy Warhol es un genio, por el hecho de que deja al filme correr en orden para ver que pasa. Pero sin importar que diga el mismo, sé que esta película de 210 minutos y de pantalla partida por dos proyectores independientes nunca sera igual así la veas cientas de veces.
Director de cine y pintor, entendió que el poder del retrato es tanto psicológico como técnico; en leyenda quedará pues sus estrategias para obtener una "actuación" tan insoportable como potente.



Viernes 10
8:30 pm Chelsea Girls (Andy Warhol)

Más información en la web y en el blog

[o0o]

Programación de la Semana

Jueves 23 - CINE ASIATICO
6:45 pm La mujer es el futuro del hombre (Hong Sang-soo)
8:40 pm Bienvenidos a Dongmakgol (Park Kwang-Hyun)

Sábado 25
4 pm Gente de Roma (Ettore Scola)
6 pm Dead ringers (David Cronenberg)
8 pm Yo te saludo, María (Jean-Luc Godard)

Domingo 26 - DIA DEL CINE EN BARRANCO S/. 3.50
4 pm Tierra sin pan/La edad de Oro (Luis Buñuel)
6 pm Noches de Cabiria (Federico Fellini)
8 pm Cortometrajes de Man Ray (musicalizado en vivo por WTK)
8:30 pm The Rocky horror picture show/Participación del público (Jim Sharman)

Lunes 27 – CINE PERUANO
7:00 pm La espalda del mundo (Javier Corcuera
8:30 pm 25 Watts (Juan Pablo Rebella, Pablo Stoll)

Martes 28 – DOCUMENTAL
8:00 pm Noche y niebla (Alain Resnais)
8:30 pm La Constelación Jodorowsky (Louis Mouchet)

Día del Cine en El Cinematógrafo: Domingo 26 de Noviembre

Como no podía ser de otra manera, hemos preparado una programación especial para esta importante fecha dedicada al espectador. Películas surrealistas, cine clásico italiano, filmes experimentales con musicalización en vivo y, como broche de oro, una película de culto con partipación del público, a solo S/. 3.50. Una ganga.



Luis Buñuel: "Tierra sin pan" y "La edad de oro" (4:00 pm)

Tierra sin pan (también conocida como "Las Hurdes") es un crudo documental sobre la situación de atraso en que permanecían Las Hurdes, una de las regiones más áridas y menos desarrolladas de la España de 1932. La insalubridad, la miseria y la falta de oportunidades provocan la emigración de los jóvenes y la soledad de quienes se quedan. Está basado en un monumental estudio de antropología humana de Maurice Legendre.
Después de un prólogo documental sobre las costumbres del alacrán, unos bandidos descubren a un grupo de arzobispos orando en un acantilado. La fundación de la Imperial Roma, celebrada en el sitio donde oraban los clérigos, se ve interrumpida por los lances amorosos de una pareja que es separada. El hombre es conducido a prisión pero logra escapar y se refugia en casa de su amada. Durante una fiesta, la pareja intenta consumar su pasión sin éxito. Finalmente, los sobrevivientes de una criminal orgía, entre los que se encuentra el duque de Blangis, salen del castillo de Selliny.
"La edad de oro" suscitó los ataques de la derecha y fue finalmente prohibida. Los surrealistas publicaron entonces un manifiesto defendiéndole: "Buñuel ha formulado una hipótesis sobre la revolución y el amor que afecta a lo más profundo de la naturaleza humana"

"Después de Un perro andaluz, imposible pensar en realizar una de esas películas que ya se llamaban comerciales. Yo quería seguir siendo surrealista a toda costa." Con esta idea, Buñuel inició los preparativos de la que sería su segunda cinta, sin imaginar que en poco tiempo estaría enmedio de uno de los escándalos más memorables de la historia moderna de París.
(Presentadas en versión restaurada)



F. Fellini: Las noches de Cabiria (6:00 pm)

Prostituta barata de Roma, apodada Cabiria (Giulietta Masina), trabaja cerca de las Termas de Caracalla. Patética, inocente, ingenua y sentimental, por momentos surreal, Cabiria cree ver un príncipe azul en cada uno de los sórdidos hombres que se cruzan en su vida. Combate la dura realidad de su entorno recurriendo a un onirismo casi enfermizo.

En 1957 Noches de Cabiria tuvo un éxito sensacional. Billy Wilder la ensalzó como la mejor película de todos los tiempos. El genial Bob Fosse creó una comedia musical, Sweet Charity, con Shirley McLaine, basándose en el filme. En gran medida esta obra influyó en la decisión tomada en 1992 por la crítica mundial, en una reunión convocada por la revista Sight & Sound, de proclamar a Federico Fellini como el más influyente de los directores cinematográficos situándolo, incluso, por encima de Eisenstein y Orson Welles.



Cortometrajes de Man Ray: Musicalizados en vivo (8:00 pm)

Man Ray es uno de los fotógrafos más creativos y brillantes de la historia. Primero en Nueva York y después en París, participó en los movimientos cubista, dadaísta y surrealista mientras creaba un nuevo estilo que enfatizaba los efectos del azar y el subconsciente.
Proyectaremos Emak-Bakia (1926) y Los misterios del castillo de dados (Les Mystères du château de Dé, 1929). Ambos cortometrajes, presentados en versiones restauradas, serán musicalizados en vivo por la banda White Trash Koreano, integrada por David Acuña, Juan Pablo Aragón y Maya Ishizawa.



The Rocky Horror Picture Show: Participación del público (8:30 pm)

Que más podemos decir de esta maravillosa cinta de culto que no hayamos dicho antes? The Rocky Horror Picture Show, dirigida en 1975 por Jim Sharman sobre un musical de Richard O´Brien, es una película de culto sobre una pareja que, tras una avería en su auto, se ve obligada a pasar la noche en la mansión del Doctor Frank N'Furter, que celebra la convención de "Transilvanos" con motivo de la creación de su criatura, Rocky Horror, un hombre perfecto cuyo "medio" cerebro pertenece a un delincuente juvenil.
Esta función especial incluye Participación del público ("audience participation"), tal como lo hicimos el pasado Sábado 11 de Noviembre, así que prepárense.

Ahí estaré.. :-o

Más información en la web y en el blog.

[Kurt]

Ardua labor la de un solitario Voyeur. Gracias o0o. Para no hacer este post algo deleznable, quisiera que nos comentes sobre el corto inedito de Szyslo que fue proyectado hace una semana. :)

[kr4keN]

ESTA SEMANA EN EL CINEMATOGRAFO
Martes 13 – DOCUMENTAL
6:45 pm Comandante (Oliver Stone)
8:30 pm Las Olimpiadas: La Fiesta de los Pueblos (Olympia Vol. 1) (Leni Riefenstahl)

Jueves 15
7 pm Una serpiente de Junio (Shinya Tsukamoto)
8:40 pm Il Mare (Lee Hyun-seung)

Viernes 16
6 pm Noche y niebla (Alain Resnais)
7 pm Huracán Katrina: Cuando los diques se rompieron (Spike Lee)

Sábado 17
3:45 pm El eclipse (Michelangelo Antonioni)
6 pm Nostalgia (Andrei Tarkovsky)
8:30 pm Irak a la venta (Robert Greenwald)

Domingo 18
4 pm El carterista/Pickpocket (Robert Bresson)
6 pm El desprecio (Jean-Luc Godard)
8 pm Stalker (Andrei Tarkovsky)

Lunes 19 – CINE PERUANO
7 pm No hay función
8:45 pm No hay función

Martes 20 – DOCUMENTAL
6:45 pm Dentro de Garganta Profunda (Fenton Bailey)
8:30 pm Las Olimpiadas: La Fiesta de los Pueblos (Olympia Vol. 1) (Leni Riefenstahl)


http://groups.msn.com/cinematografo

[o0o]

19 aniversario de El Cinematógrafo

Para celebrar junto a nuestros fieles espectadores, que son los verdaderos responsables de la continuidad de nuestro espacio independiente, hemos preparado un suculento menú de películas que prometen cumplir con las expectativas de los cinéfilos más exigentes



Han pasado 19 años desde que una familia barranquina decidiera convertir su casa en una adorable sala de cine. Dos décadas después, El Cinematógrafo continúa siendo una alternativa vital para los amantes del cine clásico, independiente y extranjero.
Nuestro gran homenajeado para este mes de Marzo es Fritz Lang, uno de los grandes nombres del cine que ha filmado algunas de las más importantes películas de la historia del séptimo arte. Tendremos la oportunidad de visionar versiones restauradas de clásicos como El Dr. Mabuse, Metropolis, M, entre otros.
Una de las figuras más importantes del arte es Andy Warhol, sin embargo muy pocas personas conocen su obra cinematográfica.
Cintas como Empire, Blowjob, Kiss o Chelsea Girls fueron, por mucho tiempo, obras inéditas en nuestro país. Gracias a la muestra El Cine de Andy Warhol podremos, al fin, acercar estos filmes a interesados y curiosos warholianos.



Los blogs de cine son ya una realidad. Se han posicionado, rápidamente, como uno de los medios más inmediatos, personales e interesantes para enterarnos un poco más acerca de las películas que nos gustan. Por eso, invitamos a todos los bloggers para que programen, durante una semana, las cintas de su predilección en nuestra sala. La muestra Bloggermatógrafo incluye la participación durante 5 días de El Blog del cinematografo, El Buen cine, La cinefilia no es patriota, Cinencuentro, Chowfanblog, La tetona de fellini y Toma uno.

Una de las buenas costumbres que tenemos en casa es transportarnos al pasado, a la época del cine silente, donde las películas eran musicalizadas por un pianista que se encontraba en una esquina de la sala. Pues una experiencia bastante similar es la que nos regala Jose Luis Madueño, durante todos los Viernes de Marzo, al añadirle una contundente pieza musical propia del renombrado compositor al clásico de F.W. Murnau, Nosferatu, una sinfonía de horror.



El Cine Peruano siempre tiene un espacio en nuestra programación, por esa razón y porque queremos ser un motor permanente de difusión y promoción del mismo, presentamos el segundo largometraje del director huancaíno Nilo Inga, El tunche, misterios de la selva.
Cinta de terror que narra la historia de un grupo de estudiantes de medicina que en un viaje de investigación a la selva peruana conocen la leyenda de "El Tunche".
Y como siempre durante todo el mes, documentales, cine asiático, cine experimental, cortometrajes y todo lo necesario para celebrar una verdadera fiesta del cine en uno lo de los espacios más clásicos del distrito de Barranco.

Programación de la Semana

Jueves 8 - CINE ASIÁTICO
6:45 pm Tal vez amor (Peter Chan)
8:40 pm El maestro de marionetas (Hou Hsiao-hsien)

Viernes 9
7:30 pm Empire (Andy Warhol)
8:30 pm Nosferatu (F.W. Murnau) MUSICALIZADO EN VIVO POR JOSE LUIS MADUEÑO

Sábado 10
4:00 pm La mujer de al lado (Francois Truffaut)
6:00 pm Banda aparte (Jean-Luc Godard)
8:00 pm Kiss (Andy Warhol)
9:00 pm Garganta profunda (Gerard Damiano)

Domingo 11
4:00 pm El gran dictador (Charles Chaplin)
6:00 pm Infernal Affairs (Lau Wai Keung)
8:00 pm Blowjob (Andy Warhol)
8:30 pm Dr. Mabuse, El Jugador (Fritz Lang)

Lunes 12 – CINE PERUANO
7:00 pm El Caudillo Pardo (Aldo Salvini)
8:30 pm El Tunche (Nilo Inga) PRESENTA DIRECTOR

Martes 13 – DOCUMENTAL
7:00 pm Irak a la venta (Robert Greenwald)
8:30 pm The Brown Bunny (Vincent Gallo)

Fritz Lang, un homenaje en Marzo

Metropolis, Dr. Mabuse, M, Secreto tras la puerta.. este mes



El director austriaco-norteamericano Fritz Lang es uno de los grandes del cine del siglo XX gracias sobre todo a dos de sus películas tempranas: Metrópolis (1927) y M, el vampiro de Düsseldorf (1931).
La obra de Lang destaca por su retrato en negro de la civilización, que en sus trabajos en Alemania desarrolló desde una visión más lírica, mientras en su extraordinaria carrera en los Estados Unidos predomino una mayor crueldad.

Culto, riguroso, metódico, implacable, contradictorio, Lang filmó algunas de las obras más memorables de la historia del cine (Las tres luces, Los sobornados), concibió uno de los filmes más influyentes, espectaculares y fascinantes (Metrópolis), utilizó el sonido de modo ejemplar (El Dr. Mabuse) imponiendo su fuerte personalidad en todo momento, llegando a hacer imperceptibles sus continuos cambios de género.
Celebrando nuestro 19 aniversario, y al haberse cumplido recientemente 30 años de su partida queremos rendirle un merecido homenaje presentando copias bellamente restauradas de algunas de sus más importantes películas.
Una oportunidad que cualquier amante del cine no debería perder.

Domingo 11
8:30 pm Dr. Mabuse, El Jugador (1922)

Sábado 17
6:00 pm M (1931)

Domingo 18
8:00 pm Dr. Mabuse, Infierno (1922)

Sábado 24
6:00 pm Secreto tras la puerta (1948

Domingo 25
8:15 pm Metrópolis (1927)


Mas información: www.elcinematografo.com
Perez Roca 196, dos cuadras detras del estudio 4, Barranco
(Alt. Cda 4 de Av. San Martin) Teléfonos: 264-4374 / 247-4782

[Daemon2470]

Y ya no pasan mas películas? Qué paso con todo?

[cristiano]

si se siguen proyectando peliculas en el cinematografo :P yo tengo la ultima programación que me llego a mi correo, para cualquier interesado ahi esta:

PROGRAMACIÓN DEL 28 DE FEBRERO AL 4 DE MARZO

JUEVES 28
6:30pm Grbavica: El Secreto de Esma (Jasmila Zbanic)
8pm Videodrome (David Cronenberg)
9:30pm La Tumba de las Luciérnagas (Isao Takahata)

VIERNES 29
6:30pm Alondras en una Alambrada (Jirí Menzel)
8pm La Mosca (David Cronenberg)
9:30pm El Gran Gatsby (Jack Clayton)

SÁBADO 1
4pm Embriagado de Amor (Paul Thomas Anderson)
6pm Existenz (David Cronenberg)
8pm Siete Ocasiones (Buster Keaton); musicalizado en vivo por Andrés Prado 9:30pm Una Serpiente de Junio (Shinya Tsukamoto)

DOMINGO 2
4pm Tucker: el Hombre y sus Sueños (Francis Ford Coppola)
6pm A Cada Uno Su Cine (varios directores)
8pm En Este Mundo (Michael Winterbottom)

LUNES 3
6:30pm Hombres del Marañón (Raúl Gallegos) y Ensayo sobre la Adaptación (Ricardo Ayala, cortometraje)
8pm Días de Santiago (Josué Méndez) - Conversatorio con el director y el editor
MARTES 4
6:30pm Corazones y Mentes (Peter Davis)
8:30pm M. Butterfly (David Cronenberg)
El Cinematógrafo de Barranco Pérez Roca 196 Barranco Alt. cdra. 4 de Av. San Martín 247-4782 / 9282-2999

vere si luego pongo las siguientes programaciones :P

[CrAsH[SrT]]

revivan el topic ^^!

[tonWT]

VIERNES 27 DE MARZO



6:30pm Juliana (Fernando Espinoza, Alejandro Legaspi) (Perú, 1988)
Extraña, parece un hombrecito, tiene 12 años y el pelo muy corto; trabaja con un grupo de chiquillos que, como ella, hacen lo que pueden: cantan en los micros, venden cigarrillos, cualquier cosa, no importa la hora, la noche es eterna. A Juliana no le gustan los espejos, ve su imagen reflejada y se ve fea, no se reconoce. Como el resto de la pandilla, no sabe quién es, tampoco si habrá un mañana, pero lucha, grita y muerde si alguien intenta quitarle lo poco que tiene. HOMENAJE A JULIANA


8pm Vivir Desesperadamente (John Waters) (EE.UU., 1977)
Una rica ama de casa asesina a su marido con la ayuda de su asistenta y las dos se dan a la fuga dando a parar a Mortville, un pueblo que provee de refugio a los criminales. Se asientan con una ex-luchadora profesional y con su novia asesina antes de conocer a la tirana Reina Carlota, que gobierna sobre el pueblo de Mortville. JOHN WATERS


9:30pm La Casa de los Espíritus (Bille August) (EE.UU., 1993)
Historia de los Trueba, una numerosa y turbulenta famila chilena de clase alta que, a lo largo de tres generaciones, experimentarán los cambios producidos en su país durante casi un siglo. Con su patriarca angustiado y sus mujeres clarividentes, todos los miembros de la familia trazan sus vidas desde finales del siglo pasado hasta los violentos días del golpe que derrocó al gobierno de Salvador Allende en 1973. VIERNES LITERARIOS

SABADO 28 DE MARZO


4pm Juliana (Fernando Espinoza, Alejandro Legaspi) (Perú, 1988)
Extraña, parece un hombrecito, tiene 12 años y el pelo muy corto; trabaja con un grupo de chiquillos que, como ella, hacen lo que pueden: cantan en los micros, venden cigarrillos, cualquier cosa, no importa la hora, la noche es eterna. A Juliana no le gustan los espejos, ve su imagen reflejada y se ve fea, no se reconoce. Como el resto de la pandilla, no sabe quién es, tampoco si habrá un mañana, pero lucha, grita y muerde si alguien intenta quitarle lo poco que tiene. HOMENAJE A JULIANA


5.30pm Polyester (John Waters) (EE.UU, 1981)
Francine Fishpaw es una mujer metabólicamente equilibrada. Pesa 120 kilos, está casada con un honrado exhibidor cinematográfico, Elmer cuyo cine proyecta las películas más explícitamente pornográficas del continente, ante las continuas protestas del vecindario, y tiene dos hijos que no tienen más problemas que los propios de su edad: Dexter, drogadicto y maníaco sexual, y su dulce hermana Lu-Lu, ninfómana y novia de un punkie. En este modélico hogar, los acontecimientos se precipitan. JOHN WATERS


7:10pm Pink Flamingos (John Waters) (EE.UU., 1972)
Babs Johnson (Divine) acaba de ser nombrada la persona mas inmunda del mundo por un periodico local.Pero los Marble (un matrimonio que entre otras cosas venden heroina en los colegios y venden bebes a lesbianas) no pueden consentir que Divine les supere en suciedad y depravacion asi que deciden atacar a Divine. JOHN WATERS


9pm Aelita: Reina de Marte (Yakov Protazanov) (Rusia, 1924) Musicalizado en vivo por Hermann Hamann
Basada en una novela escrita en 1922 por el conde Alexei Tolstoi, pariente lejano de Leo Tolstoi, Aelita se convertiría de inmediato en la producción soviética más importante y costosa de la década de los 20. Tolstoi presentaba a Aelita, Reina de Marte, como una monarca sometida por su dictatorial padre que lanza una llamada de socorro a la Tierra. Los, el ingeniero a cargo de la Estación de Radio de Moscú, descifra el mensaje y junto con el revolucionario Gusev, emprende un viaje a Marte con la nave que ha construido. Los y Gusev ayudan a Aelita a derrocar al tirano, pero ella erige su propio régimen totalitario. MÚSICA EN VIVO