El Cinematógrafo de Barranco (programación)

[o0o]

El Cinematógrafo de Barranco

"El Cinematógrafo se ha convertido con el paso de los años, en uno de los escasos y completos reductos para el cine independiente, el cine clásico y el cine nacional"



Entrada general: S/. 6 - Lunes a Domingo
Dirección: Perez Roca 196, altura de la cuadra 4 Av. San Martín, a espaldas del estudio 4 de Barranco
Teléfonos: 264-4374 / 247-4782

* Todo el Cine Peruano. Cine Independiente Americano y Documental. Cine de arte Europeo y Asiático.
Animación. Cine Experimental. Los 365 días del año.

Un lugar para la original bohemia y el amor al séptimo arte.
Sabiendo qué significó y significa el Cine en nuestras vidas como arte; es por eso y más que, inevitablemente siempre apoyaremos, iremos, y amaremos al Cinematógrafo de Barranco.
Tras la idea inicial de este tema en Bloodzone, se encuentra la conciencia y el genial apoyo del Staff, un apoyo con todo el peso que merece la cultura. Por medio de una institución sociocultural como lo es El Cinematógrafo de Barranco desde hace 18 años, este thread servirá indefinidamente para brindarles información, programación de películas, datos especiales, sinopsis, opiniones, etc. Como lo he dicho hace unas líneas, y no me cansaría de repetirlo, por el apoyo que merece el séptimo arte, la cultura, el arte hoy en día en un país como el nuestro.

En medio de la ignorancia cultural, el cine comercial, el desprecio hacia el séptimo arte, surge una sala en Barranco para gente quizás como.... tú, que hastiada del chicle y la luz de la contemporaneidad ha decidido refugiarse en otros medios artísticos y obviar un poco el cine. Quizás, haya sido necesario, quizás no. Algo que sé, es que mucho tu percepción artística cambiará desde que conozcas El Cinematógrafo, como igualmente cambiarás tú. Cinéfilo o no.



El Cinematógrafo de Barranco es una sala de arte independiente sin fines de lucro fundada en 1988 por Mario Rivas y Sonia Arispe, reconocido por el Instituto Nacional de Cultura y miembro de la Confederación Internacional de Cinemas de Arte y Ensayo, del CONACINE (Consejo Nacional de Cinematografía), de la SPIA (Sociedad Peruana de la Industria Audiovisual) y de la Coalición por la Diversidad Cultural. Además de ser reconocida por la Municipalidad de Barranco.
El espacio está consagrado a la difusión del cinema de calidad, sea clásico, extranjero o independiente. También un fuerte rol en lo que se refiere al apoyo de la actividad cinematográfica local, siendo un importante punto de encuentro y proyección de cine peruano, tanto en el formato corto como largometraje.

Única sala independiente de nuestra ciudad, ya que no recibe apoyo de ninguna empresa, institución o asociación, cubriendose los costos de mantenimiento del espacio y equipos de proyección gracias a la fidelidad de nuestros espectadores, quienes con su constante asistencia ayudan a mantener este importante espacio de difusión cultural.
Proyectamos películas en todos los formatos de cine y video: 35 y 16 mm, y las inmensas posibilidades que ahora nos presenta la proyección digital en DVD. Teniendo así la oportunidad de explorar en diferentes y lejanas cinematografías.
De igual manera, todas las cintas proyectadas en idioma extranjero contienen subtítulos en español, y en la medida de lo posible las cintas habladas en español contienen subtítulos en ingles, dando así mayores facilidades a los espectadores extranjeros que nos visitan.



Visítenos. Sabemos, no lo dudará.

Página oficial

[o0o]

100 años de Luchino Visconti

El Cinematógrafo de Barranco, conmemora el primer centenario del nacimiento del innovador y estilizado director Neorrealista.



Programación

Sábado 20
4:00 pm Grupo de familia (1974)

Domingo 21
6:00 pm El inocente (1976)
8:15 pm Muerte en Venecia (1971)

Sábado 27
4:00 pm La Calle de los Dioses (1968)
6:00 pm Rocco y sus hermanos (1960)

Domingo 28
8:30 pm El Gato Pardo (1963)

Son varios los temas que dominan, bullen en la filmografía de Luchino Visconti: el auge y caída social, el miedo y la valentía, lo viejo y lo nuevo, la belleza y la decadencia física, las relaciones (como mínimo) triangulares, el sacrificio, la familia, el desarraigo... Y, agrupándolas, por encima de todo, la pasión. La pasión enfrentada a puñetazos, con las armas o con las tácticas psicológicas más sibilinas, a la razón.
Procedente de una familia de la alta aristocracia de su país, Luchino Visconti recibió una esmerada educación, que con el tiempo lo llevó a convertirse en director de cine, pero también de teatro, de ballet y de ópera.

Tras colaborar con Cocteau y Jean Renoir, el aristócrata neorrealista Luchino Visconti debutó como director cinematográfico en 1942 con Obsesión (Ossessione), basada en la novela El cartero siempre llama dos veces, de James M. Cain.
Hasta ese momento, el cine italiano había sido representado por la comedia ligera o por la película propagandística que presentaba una Italia "heroica y sana", como quería hacerla aparecer el Fascismo. Ossessione constituía un momento de ruptura con ese mundo, al ambientar su acción en una ciudad claramente identificable, habitada por gente real y rodeada de objetos y detalles verdaderos, ante los cuales la ficción echaba pie atrás.



Su ejemplo sería seguido por muchos directores y escritores. Pero mientras Roberto Rossellini y Vittorio De Sica (por citar dos de los más importantes) trataban de presentar la verdad de los hechos narrados en una manera directa, haciendo hablar a las imágenes mismas, Visconti imponía su personalidad y cultura sobre hechos y personajes, modelándolos en una sobreestructura ideológica bien definida.
El gran resultado en esta forma fué La tierra tiembla (La terra trema - 1948), inspirada en una novela de Giovanni Verga. Filmada en Aci Trezza, se sirvió de personas del lugar, que improvisaban los parlamentos en su propio dialecto, mostrando la miseria y la explotación a la que son sometidos los pescadores por los empresarios que compran y venden al por mayor.

"Yo hago un cine antropomórfico".

"Bellísima" (1951) y la ya citada e impresionante "Rocco y sus hermanos" son homenajes a la tozudez de la madre que no quiere para sus hijos las mismas calamidades que sufrió ella; y "El Gatopardo" (1963) y "La caída de los dioses" (1969), tumultuosas crónicas históricas alrededor de una familia que se resquebraja y, finalmente, recoge los trozos para adaptarse a los tiempos actuales. La posibilidad de ampliar el tema se la brindó el best-seller de Giuseppe Tomasi di Lampedusa, El gatopardo, donde gracias a personajes paradigmáticos denuncia descaradamente las contradicciones de una sociedad consciente de su propio fracaso histórico. Pero hay otro elemento presentado por Lampedusa en su novela y que quedará como una constante en el cine de Visconti: la muerte. Es así como la larga secuencia del baile y del protagonista ante el cuadro del moribundo.



Muerte, soledad y decadentismo. En estos filmes se encuentran también temas esbozados o desarrollados en realizaciones precedentes.
En Gotterdammerung el tema del incesto reaparecería sin tapujos, llevando a la exasperación el complejo de Edipo en toda su cruda violencia. Por otra parte acentuaría la imagen de la decadencia, de la degradación y la corrupción, que cada vez más encierran al hombre en su propio monadismo, destruyendo sus posibilidades de supervivencia; ese hombre al cual Visconti dedicaba su cine, porque era el que construía la historia.
Y la soledad da también como resultado a la incomunicación, el cerrarse en sí mismo sin comprender el mundo circunstante o reduciéndolo a aquellos pequeños objetos o personas que tienen cerca en algún momento y que se cargan de afecto, que muchas veces es sólo artificial porque es inventado o imaginado por el mismo ser humano.

O, más aun, en el aislamiento metafísico de El extranjero - 1967, desarrollado según la obra de Albert Camus.
Siguiendo este interés analítico, Visconti habría querido adaptar La montaña mágica de Thomas Mann y, En busca del tiempo perdido, de Marcel Proust. Eran dos empresas gigantescas que desde hacía mucho tiempo rondaban en torno suyo sin que se atreviera a concretarlas. Antes de desaparecer, realizó en todo caso otras dos notables películas: Grupo de familia, y El inocente que estaba terminando de filmar cuando murió y que sería proyectada póstumamente. El inocente está basada en la novela homónima de Gabriele D'Annunzio, el principal decadentista italiano, ya esa elección confirma la parábola descrita por Visconti que se vió interrumpida por su muerte.



En efecto, lo sorprendió trabajando, en el ápice de su potencia creativa. Falleció por causa de una afección cardiaca el 17 de marzo de 1976 a los 70 años.

A menudo fue acusado de elitista, de apartarse de los trabajadores cuyas vidas había capturado, e incluso de devoto de la belleza masculina como si eso fuera un reproche; pero su cine fue incómodo en sus inicios y en su final, y levantó no pocas críticas por su atrevimiento y manera de mostrar las desigualdades, y los vicios públicos y privados de la clase a la que él pertenecía, por mucho que se hubiera hecho comunista.
La muerte que Visconti temía era seguramente otra, la que continuará viviendo como advertencia desde la pantalla: la muerte de aquella sociedad antropomórfica que siempre exaltó y sin la cual no queda otra salida que la completa deshumanización.

Más datos en la página oficial.

[Hk]

Buena intención... pero no debería ir en agenda cultural?

[o0o]

pero no debería ir en agenda cultural?

No, mi querido Hk. Te diré porqué.
Porque como habrás leído en los primeros parrafos de la introducción que hice, Bloodzone apoya rotunda y liberalmente con sólo este thread a un medio cultural independiente y único en nuestra época como lo significa El Cinematógrafo de Barranco. Por las razones que habrás leído líneas arriba, también es uno de los motivos de porqué una digna relevancia, en un tema de un subforo como el de nuestra comunidad, debe llevar.

No sólo en un mensaje. Además, el espacio como inicial apego al apoyo terminaría obviando (por no decir acaparando) el ritmo del tema que sugeriste; refiriéndome a la ampliación indebida del mismo.

Pd: El martes, como todos los que vengan, la programación semanal estará puntual :P .

[o0o]

Programación de la Semana



"Por favor, quédate.... Nunca más dejaré que tu hermano me toque.." -. Rocco y sus hermanos: 27 Premios fílmicos mundiales

Lunes 22 – CINE PERUANO
7:00 pm Razones para el Exxxilio (Juan Manuel Calderón)
8:30 pm El Caudillo Pardo (Aldo Salvini)

Martes 23 – DOCUMENTAL
7:00 pm Fotógrafo de Guerra (Christian Frei)
8:30 pm El Grito Subterráneo (Julio Montero)

Jueves 25
7:00 pm El Pozo y el Péndulo (Roger Corman - Homenaje Miguel Reynel)
8:30 pm Lluvia de sangre (Ji-woon Kim)

Viernes 26
7:00 pm Una mujer es una mujer (Jean-Luc Godard)
8:30 pm Pink Flamingos (John Waters) -SOLO ADULTOS- Presentación y conversatorio a cargo de Mario Castro Cobos (Revistas Godard! y Butaca)

Sábado 27
4:00 pm La Calle de los Dioses (Luchino Visconti)
6:30 pm Rocco y sus hermanos (Luchino Visconti)

Domingo 28
4:00 pm Los enanos también empezaron pequeños (Werner Herzog)
6:00 pm Una mujer bajo la influencia (John Cassavetes)
8:30 pm El Gato Pardo (Luchino Visconti)

[Brusher]

Ya no hay ciclos de cine asiatico??

[o0o]

Programación de la Semana



Jueves 1
7:00 pm El Gato Fritz (Ralph Bakshi)
8:30 pm Estilo de supervivencia 5+ (Gen Sekiguchi/El nuevo cine Japonés)

Viernes 2
7:00 pm Marebito (Takashi Shimizu)
8:30 pm Pink Flamingos (John Waters)
10:00 pm El fluir de las lágrimas (Wong Kar-Wai)

Sábado 3
4:00 pm Freaks (Tod Browning)
5:15 pm La Mano (Wong Kar-Wai)
6:00 pm Elogio al amor (Jean-Luc Godard)
8:00 pm Nuestros años salvajes (Wong Kar-Wai)

Domingo 4
4:00 pm NO HAY FUNCIÓN
6:00 pm NO HAY FUNCIÓN
8:00 pm NO HAY FUNCIÓN

Lunes 5 – CINE PERUANO
7:00 pm El Caudillo Pardo (Aldo Salvini)
8:30 pm Ubu Rey (Gonzalo Molina)

Martes 6 – DOCUMENTAL
7:30 pm Manu Chao: Gira Mundo Tour (François Bergeron)
8:30 pm What the bleep do we know?/¿Qué es lo que sabemos? (William Arntz)

Nuevo Cine Japonés - Jueves de Cine Asiatico



El cine Japonés ha sufrido en los últimos años una mutación auspiciosa, debido a la aparición de nuevos y jóvenes directores que han impregnado de nuevas tendencias el costumbrista cine de ese país, alejándose de los géneros tradicionales, para hacer un cine más experimental, bizarro, profundo, irreverente y mágico, pero dentro de todo interesante.
En este mes presentaremos, dentro de esta nueva ola, a cuatro directores y cuatro películas del nuevo cine contemporáneo japonés:

Jueves 1
8:30 Estilo de supervivencia 5 (Gen Sekiguchi)

Jueves 8
8:30 Canary (Akihiko Shiota)

Jueves 15
8:30 El Vecino 13 (Yasuo Inoue)

Jueves 23
8:30 El sabor del té (Katsuhito Ishii)

Ya no hay ciclos de cine asiatico??

Todo el mes de Mayo pasado, Wong Kar Wai estuvo como invitado en la lista de proyecciones. Igualmente, todos los jueves tenemos un ciclo del tipo de cine que comentabas.

[o0o]

Programación de la Semana



Jueves 8
7:00 pm Las nueve vidas del Gato Fritz (Robert Taylor)
8:30 pm El vecino (Yasuo Inque/El nuevo cine Japonés)

Viernes 9
7:00 pm Marebito (Takashi Shimizu)
8:30 pm Banda aparte (Jean-Luc Godard)
10:00 pm Las cenizas del tiempo (Wong Kar-Wai)

Sábado 10
4:00 pm Un día muy especial (Ettore Scola)
6:00 pm Rostros (John Cassavetes)
8:20 pm Los Angeles Caídos (Wong Kar-Wai)
10:00 pm Dolls (Takeshi Kitano)

Domingo 11
4:00 pm La Familia (Ettore Scola)
6:15 pm Sombras (John Cassavetes)
8:00 pm Nos habíamos amado tanto (Ettore Scola)

Lunes 12 – CINE PERUANO
7:00 pm El Caudillo Pardo (Aldo Salvini)
8:30 pm Ubu Rey (Gonzalo Molina)

Martes 13 – DOCUMENTAL
7:00 pm El Hijo afortunado (Michael Galinsky)
8:30 pm La habitación del control (Jehane Noujaim)

75 Años de Ettore Scola



Con guiones de unas 50 películas para otros directores y una treintena de filmes propios, su trabajo recorre más de 50 años de producción, que atraviesan etapas diversas de la cinematografía.

Ettore Scola nació en Treviso, un pueblo de Avellino, estudió Derecho en Roma y escribió en la revista satírica Mar Aurelio antes de comenzar en el cine como guionista, sobre todo en comedias de Ruggero Maccari, de 1953 en adelante. En ‘El demonio de los celos’ (1970), aún en la línea cómica italiana de la época, ya despunta su personalidad crítica y su capacidad de plantear cuestiones palpitantes de forma sensible al hacerlo a través de personajes cálidos y humanos, que construye dirigiendo a actores de la talla de Marcello Mastroianni o Giancarlo Gianini.

Con la reciente muerte de Nino Manfredi , termina de desaparecer la generación de los llamados “Cinco Mosqueteros” de la comedia a la italiana, de la que hacían parte también Gassman, Sordi, Mastroiani y Tognazzi . En efecto. La comercialización actual ofrece espacios ínfimos a las películas que no sean de Estados Unidos. Esto también explica porqué ahora en cada país europeo se conoce menos de lo que se conocía antes. El problema es ciertamente grave, pero no es todo. Es verdad que las empresas cinematográficas europeas en la actualidad son más débiles y es también innegable una crisis de creatividad, agravada por las crecientes dificultades que encuentran los jóvenes al iniciar su actividad de creación cinematográfica.
El cine neorealista primero y la comedia italiana después, contaron la historia de mi país. Los problemas continuaban existiendo, la tragedia también, pero había una gran necesidad de reír, una tremenda voluntad de vivir. – Ettore Scola

En pocos años su estilo, ya depurado, produjo varias de las mejores películas del cine italiano contemporáneo, entre ellas 'Brutos, sucios y malos' (1975), sátira inmisericorde sobre la mezquindad humana, hasta su última e innegable obra ‘Gente de Roma’ dirigida en el 2003.
El Cinematógrafo de Barranco, la Embajada de Italia en el Perú y el Instituto Italiano de Cultura presentan la muestra 75 Años de Ettore Scola.

Sábado 10
4:00 pm Un día muy especial

Domingo 11
4:00 pm La Familia
8:00 pm Nos habíamos amado tanto

Sábado 17
4:00 pm La Cena

Domingo 18
4:00 pm El Baile

Más información.

[o0o]

¡ El Cinematógrafo de Barranco tiene Blog !

http://blogdelcinematografo.blogspot.com

Revisenlo. Artículos y reseñas de muchos contribuyentes.

[o0o]

Programación de la Semana

Jueves 15
7:00 pm El Gato Fritz (Ralph Bakshi)
8:30 pm Kanaria (Akihiko Shiota/El nuevo cine Japonés)

Viernes 16
7:00 pm Una mujer es una mujer (Jean-Luc Godard)
8:30 pm El amor lo es todo (Thomas Vinterberg)
10:15 pm Chungking Express (Wong Kar-Wai)

Sábado 17
4:00 pm La Cena (Ettore Scola)
6:15 pm Fando y Lis (Alejandro Jodorowski)
8:00 pm La Mano (Wong Kar-Wai)
8:45 pm Una mujer bajo la influencia (John Cassavetes)

Domingo 18
4:00 pm El Baile (Ettore Scola)
6:15 pm El Topo (Alejandro Jodorowski)
8:30 pm Gloria (John Cassavetes)

Lunes 19 – CINE PERUANO
7:00 pm El Caudillo Pardo (Aldo Salvini)
8:30 pm Ubu Rey (Gonzalo Molina)

Martes 20 – DOCUMENTAL
7:00 pm El Hijo afortunado (Michael Galinsky)
8:30 pm La habitación del control (Jehane Noujaim)

Miércoles 21 – FIESTA DE LA MÚSICA
7:00 pm Manu Chao: Gira Mundo Tour (François Bergeron)
8:00 pm Calle 54 (Fernando Trueba)
10:00 pm Punk: Actitud (Don Letts)

La Cena



"En el fondo hace falta tan poco para estar a gusto..." - Vittorio Gassman

Tiene mérito, en los años que corren, atreverse a rodar una película en una sola localización y haciendo coincidir tiempo real y tiempo cinematográfico. Y encima, hacerlo bien coralmente; demostrándonos así Ettore Scola y de igual manera a la pluma fuera del tintero, en opciones como en sus filmes anteriores 'La terraza' o 'La familia'.
Scola delimita el espacio, en esta ocasión un restaurante de Roma, para dejar que la gente corriente se confiese tal y como es, revelando preocupaciones y miedos, sueños y esperanzas, desilusiones y añoranzas. Con tono de comedia transgresora y a través de una voluntaria fragmentación de los diálogos, Scola presenta a múltiples personajes de a pie que abren los ojos ante sus propias vidas y ante las de los demás.
Y quién mejor que Scola para retratar un restaurante vulgar, desde su siempre aguda óptica, que encuentra destacable lo ordinario, narrable lo cotidiano y imprevisto lo habitual.

En las mesas, de todo: una divorciada más preocupada por su silicona que por su hija, que le está diciendo que quiere ser monja; una familia de turistas japoneses; un profesor de filosofía amante de su alumna y harto de ella; cinco empresarios que discuten sobre política; una pareja prometida con problemas de embarazo (ella) y de infidelidad (él); dos actores que filosofan, ensayan y discrepan sobre su próxima obra; un hombre inseguro que llega allí siguiendo su destino y acaba cenando con un mago que comprueba, atónito, cómo su propia farsa se hace realidad; unos jóvenes que celebran el cumpleaños de la sobrina de Flora y Arturo, dueños del restaurante; y el Maestro (Vittorio Gassman), asiduo cliente que maneja la palabra con inteligencia y que es testigo de todo cuanto acaece, dándose la licencia de intervenir, opinar o ayudar a los restantes comensales.
Todo transcurre al cabo de una larga cena, que en realidad son varias. Tantas como las mesas dispuestas en el local, por las que la cámara de Scola no dejará de pasearnos. Gassman está solo en su mesa, lo que le sirve para volver a jugar ese rol de ciudadano arcaico que se las sabe todas, sus palabras y gestos parecen querer traducir algunas opiniones del propio director sobre cada uno de esos personajes que, en su conjunto, dibujan una de las caras posibles de la clase media italiana contemporánea. Pero lo mejor de Gassman no son esas palabras ni esos gestos sino la ternura y la sabiduría que afloran cuando baja el tono y se aquieta; ocurriendo de iguales maneras con el filme.

Cuando el tiempo en que vivimos nos parece casi incomprensible y el futuro nos resulta una incógnita irresoluble, cuajada de desesperanza y miedo a sufrir desilusiones, nada mejor que volver los ojos al comportamiento de los demás. Tratando de adivinar sus pensamientos y el porqué de sus acciones quizás consigamos entendernos algo más a nosotros mismos y clarificar un poco nuestras ideas. La intención de "La cena" de Ettore Scola es, precisamente, esa: conocer un poco más sobre nuestra naturaleza humana, a través de las pequeñas historias contadas o vividas por los clientes que pasan por un mismo restaurante.
Scola con el filme toma distancia de esta mirada, o se eleva por encima de ella, toda vez que funde a los diversos personajes en un mismo clima, en un ambiente humano que supera al continente físico, y que parece postular que todavía es posible cierta comunión entre las almas pudiéndose improvisar, cambiar, franquear pequeñas diferencias. Comunicarse en un ambiente como este.



Aunque la lista de comensales dista de agotarse en los mentados, pero sin abrumar a nadie. Sepan que son tantos que por un buen rato uno siente que a Scola el asunto se le va de las manos. Que pecó de abarcativo, que sacrificó la posibilidad de profundizar o, lo que es peor, que todas esas mesas no hacen a una unidad, a un sentido, a una película. No sin trabajo, la propia historia se encargará de desvanecer esta sensación.
No es poca hazaña llevar a buen puerto a tantos personajes y situaciones, sobre todo si se considera que las formas de 'La cena' son más bien convencionales: el montaje alterno, pendulante entre uno y otro grupo de comensales; la musiquita incidental, que comenta cuando no subraya las instancias más espesas de la anécdota. La clave no es formal, sino dramática. Con el correr del metraje, Scola exprime a fondo la mayor parte de los intercambios y hace vibrar las mejores cuerdas de sus intérpretes.

Vittorio Gassman, Giancarlo Giannini, Fanny Ardant, Stefania Sandrelli. Todos enaltecen el carácter interpretativo de esta cinta tan informal, tan memorable.. taaaan Scola.

Sábado 17
4:00 pm La Cena

[Beatnik_]

No sabia donde poner esto asi que aqui va:
Ciclo de cine: PARE DE SUFRIR
El cine, la filosofía y el problema de la felicidad. Del 12 al 16 de junio.
Programacion


Programacion de distintos cines, aca





PD: o0o, me parece que deberias cambiar de nombre al topic, porque el cinematografo de barranco no es el unico y no se va a abrir otro topic para postear las programaciones de cada cine.

[o0o]

No está siquiera tan fuera del tema lo que publicaste, aunque pudiera haber sido posteado en el thread aquel de 'amantes de...' debido a que por lo mismo que sugeristé, el nombre del tema sirve en algo. Hay infinidad de cines comerciales, cines no comerciales, cine clubes comerciales, cine clubes no comerciales, pero entre ellos existe una diferencia. La independencia.
El cinematógrafo de b. es independiente al no recibir completamente apoyo de 'ninguna' fuente. Más sólo llega a mantenerse gracias al apoyo o colaboración del exterior; no pertenece a ninguna institución. Por ende, en una comunidad como esta se le ha dado el nombre especificamente a un thread en pro de lo que pueda significar una ayuda a este valuable medio cultural.

Termina aquí el Offtopic.

[Lapiz]

Pucha yo vivo al costado del cinematógrafo y no me da tantas ganas de entrar ahí como tu :lol:

[Groucho Marx]

sin duda debo felcitar por este tema, se que el buen cine, el cine inteligente solo tiene espaio en nuestro pais en circulos formados por el amor a este arte, como el cinematografo de barranco que para mi es una joyita muy pasional, solo los cinefilos pueden saciar ese hambre de cine, pueden callar ese grito que cada vez que revisamos las carteleras de los grandes cines masivos, solo nos inunda una tristeza, ( ya que encontrar una buena pelicula en los cines hambrientos de taquilla, es como querer ver un unicornio en la esquina de mi casa ).

Pero felizmente hay una ventana para oxigenarse como lo es el cinematografo, tambien el festival de cine latinoamericano de la catolica, que este año se realizara en lima por decima vez, tambien el centro cultural españa, directores son muchos los que desfilan por las pantallas de la petit francia (barranco), como Lars von trier, jim sheridan, kristof kieslowski, david lynch, Yafar Panahi, Kiarostami, alexander sokurov, tsai ming liang, bertolucci y muchos mas ... ! simplemete me queda decir

CINEMATOGRAFO DE BARRANCO GRACIAS POR EXISTIR !!

___________________________
GROUCHO MARX

[o0o]

Programación de la Semana



Jueves 22
7:00 pm Las nueve vidas del Gato Fritz (Robert Taylor)
8:30 pm El sabor del té (Katsuhito Ishii/El nuevo cine Japonés)

Viernes 23
6:00 pm La muerte del corredor de apuestas chino (John Cassavetes)
8:30 pm La Montaña Sagrada (Alejandro Jodorowski)

Sábado 24
4:00 pm Happy Together (Wong Kar-Wai)
6:00 pm Noche de estreno (John Cassavetes)
8:30 pm Santa Sangre (Alejandro Jodorowski)

Domingo 25
4:00 pm Nos habíamos amado tanto (Ettore Scola)
6:15 pm Dead man (Jim Jarmusch)
8:30 pm My Idaho privado (Gus Van Sant)

Lunes 26 – CINE PERUANO
7:00 pm Razones para el Exxxilio (Juan Manuel Calderón)
8:30 pm El Caudillo Pardo (Aldo Salvini)

Martes 27 – DOCUMENTAL
7:00 pm El Hijo afortunado (Michael Galinsky)
8:30 pm What the bleep do we know?/¿Qué es lo que sabemos? (William Arntz)

Ciclo de Alejandro Jodorowski



"Ver como nos vemos, vernos y comprender
que para comprender hay que volverse ciegos"

Fue en México donde dirigió la que puede considerarse su primera película luego de la que dirigió en París basada en un libro de Thomas Mann y de la cual no se tiene rastro. Su propia versión de Fando y Lis de Fernando Arrabal, fue presentada en el Festival de Acapulco de 1968, causando un gran alboroto del cual Jodorowsky apenas pudo escapar. El filme incluía una escena donde un anciano sacaba sangre del brazo de Lis y se la bebía. Todo lo cual según Jodorowsky era real. Eso, visto por un público mexicano sensible a la sangre poco después de una matanza de estudiantes en Ciudad de México, provocó que el festival fuera suspendido y que la película fuera prohibida en ese país.
Hoy, luego de 46 años, quien solía escribir poemas entre cajas de calcetines es escritor, filósofo, actor, marionetista, dibujante, guionista de cómics, mimo, maestro del tarot, psicomago y por supuesto, cineasta.

Fue recién en 1989 cuando Jodorowsky volvió a dirigir una película, esta vez teniendo mayor éxito. Santa Sangre le valió a el Jodo la calificación de "hombre de erudición pasional" por el New York Times. La historia de un joven circense que después de ver a su padre, el lanzacuchillos cortarle las piernas y los brazos a su devota madre y luego suicidarse cortándose el cuello, que es destinado a un manicomio y que luego se escapa, tuvo, sin embargo, también algunas malas críticas. Pero ha sido hasta hoy la película de Jodorowsky más conocida por espectadores de todo el mundo, presente hasta hoy en ciclos de cine de diversos países.
La historia fílmica de Jodorowsky ciertamente es controversial, genera el amor o el odio de quienes ven sus películas, nunca una posición indiferente, debido a los temas y la forma surrealista de plasmar en imágenes su propio inconsciente simbólico.

Buscó la fama al irse y la encontró en el recococimiento de sí mismo envuelto en un contexto artístico más adecuado para su propuesta. Hoy vuelve de vez en cuando para presentar el resultado de sus obras, todavía en los pocos circuitos chilenos alternativos que se atreven a presentar sus obras.

Viernes 23
8:30 pm La Montaña Sagrada

Sábado 24
8:30 pm Santa Sangre

Más información.

[o0o]

Programación de la Semana



Martes 27 – DOCUMENTAL
7:00 pm El Hijo afortunado (Michael Galinsky)
8:30 pm What the bleep do we know?/¿Qué es lo que sabemos? (William Arntz)

Jueves 29
7:00 pm ¿Dónde está la casa de mi amigo? (Abbas Kiarostami)
8:30 pm Estilo de supervivencia 5+ (Gen Sekiguchi/El nuevo cine Japonés)

Viernes 30
7:30 pm La llamada de Cthulhu (Andrew Leman)
8:30 pm Sick: La vida y muerte de Bob Flanagan, Supermasoquista (Kirby Dick) SOLO ADULTOS
10:00 pm Il Mare: La casa del lago (Hyun-seung Lee)

Sábado 1
4:00 pm La ley de la calle (Francis Ford Coppola)
6:00 pm Gato negro, gato blanco (Emir Kusturica)
8:15 pm Rostros (John Cassavetes)

Domingo 2
4:00 pm El Imperio de la pasión (Nagisa Oshima)
6:00 pm Sombras (John Cassavetes)
8:00 pm Nos habíamos amado tanto (Ettore Scola)

Lunes 3 – CINE PERUANO
7:00 pm Estado de Miedo (Pamela Yates)
8:30 pm La Muralla Verde (Armando Robles Godoy)

Martes 4 – DOCUMENTAL
7:00 pm Descubriendo a Dominga (Patricia Flynn) PRESENTA DIRECTORA
8:30 pm Francois Truffaut: Una autobiografía (Anne Andreu)

La Muralla Verde



Armando Robles Godoy ha sido sin duda el más personal y ambicioso realizador del cine peruano. Sus películas claramente influenciadas por las vanguardias de los años sesenta (en los que inició su carrera en el cine) son visiones que pretenden abarcar todo acerca del país, eso si, pasado por el muy peculiar filtro de su mirada.
La muralla verde es sin duda su film mejor conseguido en el que su furioso y exótico estilo está más acentuado, tal vez por ello funcione mejor que sus posteriores realizaciones llenas de una retórica cada vez más acentuada y hasta desfasada.

La historia se ubica en los años de la república previos a la dictadura militar cuando se lleva a cabo la campaña de colonización de la selva. Un hombre (Julio Alemán) y su familia lo dejan todo por esta aventura que muchos penosos y desesperantes tramites les han costado. A partir de esta anécdota Robles nos presenta una película en la que sus alegorías visuales funcionan bien a partir de su vehemente mirada sobre la problemática no solo de la burocracia sino de toda la idiosincracia peruana. Con una notoria influencia de Resnais y Rocha, Robles nos presenta una narración fracturada (de lo que se vale para sus alucinaciones poéticas o mas bien poetizantes que veremos en sus futuras películas) ahí vemos el deambular del protagonista, sus esperanzas y sufrimientos en medio de las trabas de esas murallas coloridas y la ignorancia popular.

Robles exhibe un talento innegable para las resoluciones visuales, pero esto no se traduce necesariamente de un guión bien elaborado. Parte de la funcionalidad de la cinta es justamente el buen ojo del realizador. Película sin lugar a dudas significativa dentro del cine peruano.
La muralla verde es una interesante propuesta.

Más información en el Blog.

Pd: El Viernes 7 de Julio a las 7:00 pm si nada sale mal se realizará la segunda reunión del Cinematógrafo, acudan si pueden. Apoyar es gratis.

[o0o]

Programación de la Semana

Jueves 6
7:00 pm Y la vida continua (Abbas Kiarostami)
8:30 pm El rey de la comedia (Stephen Chow/El nuevo cine de Hong Kong)

Viernes 7
7:30 pm La llamada de Cthulhu (Andrew Leman)
8:30 pm Sick: La vida y muerte de Bob Flanagan, Supermasoquista (Kirby Dick) SOLO ADULTOS
10:00 pm Nuestros años salvajes (Wong Kar-Wai)

Sábado 8
4:00 pm Tristana (Luis Buñuel)
6:00 pm La muerte del corredor de apuestas chino (John Cassavetes)
8:15 pm Stranger than paradise (Jim Jarmusch)
10:00 pm Pink Flamingos (John Waters) SOLO ADULTOS

Domingo 9
4:00 pm Bella de día (Luis Buñuel)
6:00 pm Una mujer bajo la influencia (John Cassavetes)
8:30 pm Bajo el peso de la ley (Jim Jarmusch)

Lunes 10 – CINE PERUANO
7:00 pm Estado de Miedo (Pamela Yates)
8:30 pm Sonata Soledad (Armando Robles Godoy)

Martes 11 – DOCUMENTAL
7:00 pm Descubriendo a Dominga (Patricia Flynn)
8:30 pm Confesiones de la secretaria de Hitler (André Séller)

Tristana Ciclo: Luis Buñuel



La moral de Don Lope aparece en muchos ejemplos y sentencias. La guardia civil persigue un ladrón y él les indica una calle equivocada. “Mi moral,” dice, “está siempre con el más débil.” Don Lope es un hombre progresista, odia el mercado, se niega a regatear con los peristas cuando tiene que vender sus propiedades para sobrevivir. Odia a la iglesia, y piensa que el amor es un acto de libertad, lo opuesto al matrimonio. Tristana sólo sigue sus enseñanzas en este último punto.
La moralidad de Tristana es mucho más elemental y sincera. Sólo la expresa en un término: le gusta elegir. De las columnas de un claustro le gusta una, de dos callejuelas prefiere una, del cocido toma dos garganzos, los pone sobre el mantel, y elige.

Tristana pasó por ser uno de esos proyectos largamente acariciados por Buñuel y constantemente aplazados. Se conocen al menos la existencia de otras dos tentativas anteriores: uno en México en 1952, con Ernesto Alonso y Silvia Pinal al frente del reparto, y otro en 1962, que hubiera estado protagonizada por Rocío Durcal o Stefania Sandrelli, y que se vió frustrada tras el escándalo de Viridiana. Tampoco la gestación definitiva de la película fue un camino de rosas.
Cifras aparte, la preproducción fue ágil y rápida. Según Eduardo Ducay, productor ejecutivo, Buñuel localizo todos los exteriores en una mañana, eligiendo lugares que se mantenían en su memoria desde sus años de la Residencia. Aparte de los lazos afectivos que le unían a la ciudad (y que son reflejados en el siguiente apartado), no hemos tampoco de desdeñar otras razones de signo mas pragmático, como la dificultad que entrañaba la recreación del Madrid de finales del XIX y la facilidad que por el contrario ofrecía en este caso el casco viejo de la capital castellana. El rodaje se desarrollo en un clima cálido y distendido, con la visitas de Francois Truffaut, Jean-Claude Carriere además de familiares y amigos.
De esta forma, Fernando Rey se convertiría en una especie de alter ego del director, no solo en este titulo sino también en Viridiana o Ese oscuro objeto de deseo. Asimismo hay resonancia de temas e imágenes típicamente buñuelianos ya desde la novela original, como serían la imagen de la pierna amputada o la relación arquetípica niña-viejo, presente en gran parte de sus películas ya sea como parte del argumento principal (Viridiana) o como elemento accesorio de esta (Los olvidados).



Estamos en 1929, Tristana deja el convento donde se ha educado y tiene que irse a vivir con su tío porque se ha quedado sin padres. Con el tiempo él la seduce. Don Lope dice en una de las tertulias del casino que ninguna mujer es respetable salvo la esposa de un amigo y la doncella joven. Según él los mandamientos en contra del amor y el sexo los añadio Moisés. Con el tiempo ella se fija en un joven pintor (Franco Nero) y Don Lope la amenaza. Le dice que él ejerce de padre o de marido según le conviene. Ella se fuga con el pintor pero a los dos años vuelve a casa de su tío con unos dolores muy fuertes en la pierna. El médico se la amputa y el pintor se va, a petición de ella. La única vida sexual que le queda consiste en dejar que el hijo de la sirvienta la vea desnuda. Según comentaría Buñuel esta escena le despertó el interés por contar toda la película.
No es el objeto de estas líneas el establecer una comparación entre novela y película, objetivo absurdo si tenemos en cuenta que ambas son obras independientes y autónomas. Pero si es interesante resaltar unas cuantas diferencias dadas al tratamiento cinematográfico, sobre todo para ilustrar una constante en la carrera de Buñuel: cómo a partir de textos ajenos es capaz de desarrollar su universo personal sin perder de vista el universo particular del autor adaptado. No olvidemos que la mayor parte de su filmografía se basa en guiones adaptados. Ya se ha resaltado el cambio de localización, así como la importancia dada al personaje de Don Lope a costa del de Tristana, pero hay mas cambios cuya importancia en la trama es profunda. Buñuel y Julio Alejandro eliminan la estructura epistolar que vertebra la novela, al mismo tiempo que la denuncia social de aquella (la imposible emancipación social de la mujer en la España de la época) y otorgan a la historia un minucioso estudio psicológico de la que la novela carece; rediseñan el ultimo tercio de la historia pero a la vez se mantienen fieles a la estética realista del autor canario, conservan el mismo tono literario de los diálogos y el desarrollo general del argumento.



La obra de Buñuel se ha prestado fácilmente a la clasificación. Se diferencia, quizás un tanto arbitrariamente, por un Buñuel Surrealista, otro Mexicano, otro más Francés, pero...¿cabe hablar de un Buñuel genuinamente Español? Algunos elementos llevan a pensar que si.
Tristana seria la conclusión de una “trilogía Galdosiana”, truncada por la voluntad del director en considerar a Viridiana un guión totalmente original. En estas tres producciones Buñuel no solo establece contacto con toda una nueva generación de actores, cineastas y espectadores españoles, sino que vuelve a unas raíces culturales que hasta entonces no había tenido oportunidad de explotar al máximo. Encorsetado primero en México por un costumbrismo algo forzado y después en la autosatisfacción y la frialdad que caracterizara toda su última etapa francesa.
En estas producciones españolas, incluyendo entre estas y de un modo totalmente arbitrario Nazarin, Buñuel mantiene un tono realista, sobrio y sin estridencias. Apartándose de la aparatosidad que destilan otras obras del director, de carácter más marcadamente surrealista.

Sábado 8
4:00 pm Tristana

Más información.

[o0o]

Programación de la Semana

Jueves 13 - CINE ASIATICO
7:00 pm A través de los olivos (Abbas Kiarostami)
8:40 pm Tal vez amor (Peter Chan/El nuevo cine de Hong Kong)

Viernes 14
7:00 pm El fin de un hombre (José Mojica Marins)
8:30 pm Solo contra todos (Gaspar Noé) SOLO ADULTOS

Sábado 15
4:00 pm El discreto encanto de la burguesía (Luis Buñuel)
6:00 pm El tren del misterio (Jim Jarmusch)
8:00 pm Despertando a la vida/Waking Life (Richard Linklater)

Domingo 16
4:00 pm Viridiana (Luis Buñuel)
6:00 pm Dead man (Jim Jarmusch)
8:15 pm Cinema Paradiso (Giuseppe Tornatore)

Lunes 17 – CINE PERUANO
7:00 pm Estado de Miedo (Pamela Yates)
8:30 pm El Caudillo Pardo (Aldo Salvini)

Martes 18 – DOCUMENTAL
7:00 pm A propósito de Buñuel (José Luis López-Linares)
8:40 pm Confesiones de la secretaria de Hitler (André Séller)

El Discreto Encanto de la Burguesía - Ciclo: Luis Buñuel

"Al que camine más rápido, se le hará un primer plano. Porque llegará antes junto a la cámara". Y todo el mundo se puso a caminar muy rápido, porque a todos los actores les gustan los primeros planos.



Buñuel siempre fue tildado de creador, y esta película es partícipe de dicha fama, pero no comparto la opinión de que fue creador tan solo del surrealismo cinematográfico, el mismo estaba disconforme con esas teorias. “El discreto encanto de la burguesia” no es una película surrealista, corríjanme si me equivoco. El surrealismo supone sobrepasar la realidad y es algo que aquí no sucede, salvo en las escenas oníricas, que por oníricas estan excusadas de tal propósito. Es en cambio una película que insinua el esperpento pues las situaciones son grotescas y exageradas.
Por lo demas es una película que recoge las continuas obsesiones de Buñuel: los sueños y la imposibilidad de alcanzar un objetivo perpetuo.
Quizá de la trilogía que forma con El fantasma de la libertad (1974) y Ese obscuro objeto del deseo (1977), El discreto encanto... sea la menos radical e interesante. Pero el clima de iluminación de las tres películas es muy parecido (debido al fotógrafo Edmond Richard), Buñuel ubica de comienzo en esa paradoja ambigua de la mezcla de los rituales, de la resonancia de los olvidos. Iluminación y temáticas conectan con una época que entraba sin mucha gloria en los post contra cultural.

El evidente tono de comedia de la cinta provocó que más de un crítico la considerara como 'una sátira feroz de la burguesía'. A Buñuel le disgustaban estas apreciaciones. "No es una sátira y mucho menos feroz. Creo que es la película que he hecho con un espíritu de humor amable. Tampoco busqué que la gente lanzara carcajadas de principio a fin. Me molestó mucho que en la publicidad dijeran: «¡Se ríe uno como loco!» y se mostrara una boca enorme pintada sobre unas piernas y bajo un sombrero hongo. Yo hubiera fusilado al publicista." Así las mejores escenas son las oníricas que son expresión de obsesiones, manias y deseos ocultos. Los personajes estan en la eterna e inalcanzable disposición de comer, pero por una u otra razon nunca lo consiguen, pero tampoco parecen desesperar o al menos así lo intentan mostrar pues ahí reside la auténtica discreción. Son auténticos hipócritas, no respetan su amistad pero solo se engañan a ellos mismos.
Producción de Serge Silberman. Con él Buñuel pudo dedicarse con cierta libertad a la etapa francesa final de su obra. Y no frustró al director: El discreto encanto.. le dió incluso un Oscar. Esto para los que replantean el debate de la "industria" versus la "libertad". Al día siguiente de recibir el premio, Buñuel fue invitado por el director George Cukor a una cena a la que asistieron Alfred Hitchcock, William Wyler, Robert Wise, John Ford, George Stevens y Billy Wilder, entre otros. Buñuel recibía de esta manera uno de los tributos más especiales de toda su carrera: el de sus camaradas de oficio quienes le externaron la gran admiración que sentían hacia su obra fílmica.



Con guión en colaboración de Jean Claude Carriere. El encanto de la trilogía antes citada persiste en parte por la creatividad narrativa que Carriere aportó, siguiendo frecuentemente ideas que ya estaban en la mente de Buñuel.

Un grupo de burgueses arriba a una casa donde tienen concertada una cena. La señora de la casa no los espera hoy. Esta mínima confusión es como una rutina al revés, o una costumbre 'fuera de foco'; Don Rafael (Fernando Rey) es el eje narrativo de los deseos, Embajador de Miranda en París. Miranda resulta ser México, la patria adoptiva de Buñuel. Burguesía francesa que se mira desde lo que hoy llamamos el Sur, pero en aquellos años era el Tercer Mundo. Burguesía parasitaria, perdida, sin prestigio aparente y sin proyecto. Los intercortes del grupo de burgueses que camina sobre una carretera son significativos, su giro financiero es el trasiego de droga. Los rituales de estos grupos sociales se transforman en absurdo sin que ellos lo sepan. No hay victimización, hay un naturalismo casi solidario.
Cualquier cambio de costumbre implica una pesadilla. Luego que la señora de la casa acepta acompañarlos a cenar fuera, ya que ella no ha preparado nada, el grupo llega a un restaurante cuyo misterio se resuelve al final de la secuencia. La yuxtaposición de lo "moderno" con lo "antiguo", del absurdo frívolo y el absurdo existencial, da pie a la irrupción de la extrañeza, a un culto necrófilo perseguido con la ligereza investigativa de lo policial. Pero un policial que se olvida de sus principios, los transgrede y renuncia a la plataforma lógica desde el inicio.



¿Qué hacía Buñuel pregonando este absurdo? ¿No cruzaba él mismo el camino que no termina y la cena que nunca llega? Don Rafael juega a ser su doble en El discreto encanto de la burguesía. Fernando Rey, el actor fetiche de la constitución masculina burguesa que Buñuel retrataba con frecuencia vive cruzado entre un mundo "subdesarrollado" (Miranda / México) que para todos los demás nunca pierde el color local folklórioco, y un suburbio parisino de una burguesía sin norte fijo que hace mucho perdió la trascendencia, además del poder de sus actos. Don Rafael, como Buñuel, sospecha tal vez este drama pero se regocija en el sibaritismo de lo precario. Él junto a todos los otros burgueses amigos, sueñan que escenifican su derrota (en esta película las mujeres no sueñan , sólo los hombres), o que son atrapados por la ley.
El poder y el orden forman parte de los monstruos de sus pesadillas. En un escenario como el de principios de los 70, Buñuel está cantando la ruina previsible; recordando que él vivió en época de los grandes autoritarismos franquismo, nazismo, estalinismo. La burguesía sin norte fijo tendrá que reconocer el orden de las armas, aprenderá a amar y a cantar las armas. Desde la mirada de Don Rafael, sudamericano al fin y al cabo, quizá esto no sea tan extemporáneo. Desde la mirada de Buñuel es un filtrado pesimismo, escondido detrás del encanto de las historias, que va decantando su creencia declarada proveniente del surrealismo en la libertad de los humanos.
Luis Buñuel es y será un director de gran impacto visual. “El discreto encanto de la burguesia” no es ni de lejos una cinta que llegue a notarse mucho viniendo de su nombre, pero no se puede ignorar dentro de su obra pues tiene elementos lo suficientemente interesantes como para hacerla atractiva.

Sábado 15
4:00 pm El discreto encanto de la burguesía

Más información en la web y el blog.

[o0o]

Programación de la Semana

Jueves 20 - CINE ASIATICO
7:00 pm El globo blanco (Jafar Panahi)
8:30 pm Elección (Johnny To/El nuevo cine de Hong Kong)

Viernes 21
7:30 pm La llamada de Cthulhu (Andrew Leman)
8:30 pm Solo contra todos (Gaspar Noé) SOLO ADULTOS

Sábado 22
4:00 pm Vacaciones permanentes (Jim Jarmusch)
6:00 pm Videodrome (David Cronenberg)
8:00 pm F de fraude (Orson Welles)
9:30 pm El beso del asesino (Stanley Kubrick)

Domingo 23
4:00 pm El viento nos llevará (Abbas Kiarostami)
6:00 pm Café y cigarrillos (Jim Jarmusch)
8:00 pm Il Sorpasso (Dino Risi)

Lunes 24 – CINE PERUANO
7:00 pm Estado de Miedo (Pamela Yates)
8:30 pm El Caudillo Pardo (Aldo Salvini)

Martes 25 – DOCUMENTAL
7:00 pm Francois Truffaut: Una autobiografía (Anne Andreu)
8:30 pm ¿Qué es lo que sabemos?/What the bleep do we know? (William Arntz)

Programación Fiestas Patrias

Jueves 27 - CINE ASIATICO
7:00 pm La balada de Narayama (Keisuke Kinoshita)
8:40 pm Isabella (Ho-Cheung Pang)
10:00 pm Estilo de supervivencia 5+ (Gen Sekiguchi)

Viernes 28
4:00 pm El ángel azul (Josef von Sternberg)
6:00 pm Manu Chao: Gira Mundo Tour (Francois Bergeron)
7:00 pm El Carterista (Robert Bresson)
8:30 pm Tocando el vacío (Kevin Macdonald)
10:00 pm Solo contra todos (Gaspar Noé) ADULTOS

Sábado 29
4:00 pm La Ilusión viaja en tranvía (Luis Buñuel)
6:00 pm Stranger than paradise (Jim Jarmusch)
8:00 pm Sick: La vida y muerte de Bob Flanagan, Supermasoquista (Kirby Dick) ADULTOS
9:30 pm Picardías de antaño (Michel Reilhac) ADULTOS

Domingo 30
4:00 pm Banda aparte (Jean-Luc Godard)
6:00 pm Bajo el peso de la ley (Jim Jarmusch)
8:00 pm Cinema Paradiso (Giuseppe Tornatore)

Videodrome



En 1983 se estrenaba VIDEODROME (Cuerpos invadidos / Videodromo), un film que sería determinante en la carrera del genial realizador David Cronenberg, quien a partir de esta película acostumbraría borrar las fronteras entre el terror, la ciencia-ficción, el cine de autor y el cine experimental. A principios de los años ochenta todavía no existía internet, al menos como la conocemos hoy, y la era informática estaba podríamos decir que en la prehistoria. Pero la aparición del vídeo doméstico, con la posibilidad de registrar algo emitido por televisión, conservarlo y verlo una y otra vez, supuso también una pequeña revolución que dio mucho que hablar; al mismo tiempo, la proliferación de canales de televisión, aunque no pasaba de ser un sueño remoto (o una pesadilla remota) en la España de la época, era ya una realidad consumada en Estados Unidos.

Todo el debate social de aquellos y de estos años sobre la alienación producida por los medios de comunicación, la dificultad en saber si lo que vemos en la pequeña pantalla es real o es un montaje, la manipulación de la información que recibimos, una nueva sociedad basada en la imagen donde quien controla la televisión controla el poder, etc. está en Videodrome: todo un ensayo sobre la realidad del mundo moderno y las nuevas tecnologías, y al mismo tiempo una estupenda, arriesgada e influyente obra maestra del cine. David Cronenberg era hasta entonces una promesa en el mundo del cine fantástico que hacía películas de serie B de terror con personalidad, atmósfera enrarecida e ideas inquietantes, como Rabia o Cromosoma 3, pero que aún no había logrado despuntar con ningún producto especialmente destacable. Videodrome es su primera obra de madurez en la que demuestra no sólo poseer un universo propio que hasta aquel momento solamente se intuía y que aquí despliega en todo su esplendor, sino ser capaz de hilar un complejo, brillante y muy ambiguo discurso sobre la sociedad moderna, y de paso borrar las fronteras entre terror, ciencia-ficción, cine de autor y cine experimental (Videodrome es todo eso a la vez) y expandir el cine fantástico hacia nuevos y jugosos terrenos.



Como es la norma en todo el cine de Cronenberg, la película es la historia del proceso de autodestrucción, o tal vez de liberación, física y mental de un personaje. El protagonista, Max (James Woods) lleva un canal de televisión de poca monta que emite productos pornográficos al filo de la ilegalidad. Un día su ayudante capta una señal pirata procedente de un canal nuevo, Videodrome, cuya programación consiste en torturas muy realistas. Max se engancha a la señal de Videodrome. Su adicción psicológica llega a materializarse físicamente; la televisión lo devora y lo convierte en un vídeo viviente en el que se introducen cintas a través de una boca/vagina en su estómago. Dichas cintas, aparte de destruir su cuerpo provocándole un cáncer, le crean alucinaciones que lo desconectan de la realidad, le lavan el cerebro, y lo zambullen en el universo programado por los creadores de Videodrome, cuyas órdenes obedecerá ciegamente.
En un mundo en el que la gente pasa entre tres y cuatro horas diarias como promedio viendo la televisión, y donde los grandes grupos empresariales, estrechamente vinculados con los principales partidos políticos, la utilizan para transmitir su ideología y para controlar al mismo tiempo la información, las mentes de los ciudadanos, y el poder político, está claro que Videodrome, como otras grandes películas del cine fantástico, es una ficción con muchos puntos en común con la realidad.

No obstante, la tecnología es poderosa y difícil de controlar: Videodrome, al principio creado por y puesto al servicio de una organización de extrema derecha que quiere "limpiar" la sociedad y castigar a los consumidores de pornografía, se les escapa de las manos a sus artífices y acaba adquiriendo vida propia. De hecho Max, tras ser programado para participar en su complot, es luego reprogramado para destruirles; sin embargo no por ello dejará de estar enganchado a Videodrome.
Para acabar su metamorfosis, Max debe decir adiós definitivamente a su viejo cuerpo corrupto y entrar en la Nueva Carne al otro lado del televisor. Esto puede entenderse como el final del proceso de degeneración de una víctima de la tecnología, o como el comienzo de una nueva vida, como un suicidio o como una liberación. En cualquier caso, viendo lo frío y lo vacío del apartamento y de la existencia anterior del protagonista, no es de extrañar que prefiera pasarse al otro lado, donde al menos le esperan tentadores los labios de Deborah Harry.

Sábado 22
6:00 pm Videodrome

Más información en la web y en el blog.

Pd: El sábado en la noche (7pm) se proyectarán cortometrajes al aire libre; sólo para ellos. Nosotros.

[Beatnik_]

Oye, o0o, una pregunta, estas seguro que mañana pasan La llamada de Cthulhu? acabo de ver la pagina del cinematografo y sale esto:


Viernes 21
7 pm El fin de un hombre (José Mojica Marins)
8:30 pm Solo contra todos (Gaspar Noé) SOLO ADULTOS